Interferências

Revolução

2011-04-04T10:55:00.000-07:00

"A Televisão torna-nos maus?"

2010-04-02T14:02:00.000-07:00

Este é o título do dossier do Magazine philosophie do mês de Março, a propósito do documentário, "Le Jeu de la mort" do canal France2.
La télé nous rend-elle mauvais? Parece uma pergunta disparatada para quem, como a maioria da população europeia, passa em média 3 horas da sua vida diária à frente do maravilhoso aparelho com lugar de destaque em todas as casas. No entanto, um simples (?) programa de entretenimento, inspirado numa célebre experiência de psicologia social do professor de Harvard, Stanley Milgram, que tinha como objectivo testar o grau de obediência a uma autoridade aquando da transmissão de ordens contrárias à moral, inspirou o canal France2, para um jogo televisivo onde 81% dos participantes não hesitou em descarregar, em público e em directo, 460 volts sobre o seu companheiro de jogo...porque ele deu a resposta errada!
É certo que era "a fingir"....mas os participantes não o sabiam!
O Dossier apresenta os testemunhos dos participantes do concurso, bem como as justificações das suas acções, testemunho de jornalistas, sociólogos, filósofos...
A ler e a reflectir
"La mort est le sujet majeur du petit écran." Michel Serres

O regresso do Interferências!

2010-03-17T04:28:00.000-07:00

Por sugestão da Gabriela, vamos todos retomar este blogue? Actualidades e reflexões não faltam...e para começar, aqui fica o trailer de um dos filmes do momento, "Alice no País das Maravilhas", de Tim Burton. Os cogumelos gigantes, as flores, as lagartas gigantes e borboletas não podem deixar de fazer lembrar Georges Méliès. Mais de um século depois, o digital e as novas tecnologias completamente ao serviço do imaginário infantil..e não só :)

2009-08-27T10:25:00.000-07:00

50 Best Websites 2009

A revista Times dilvulgou a lista dos 50 melhores sites de 2009. O Flickr, do Yahoo!, foi eleito o Melhor Site deste ano.

Podem consultar em:

http://www.time.com/time/specials/packages/article/0,28804,1918031_1918016,00.html

Mostra de Arte e Ciência na Cordoaria Nacional

2009-08-18T11:06:00.000-07:00

INSIDE - Arte e Ciência é a primeira grande mostra em Portugal dedicada à intersecção da Arte com a Ciência e estará patente na Cordoaria Nacional entre 24 de Setembro e 15 de Novembro. O projecto foi apresentado no Pavilhão do Conhecimento-Ciência Viva por Rosalia Vargas, vereadora com os pelouros da Educação, Juventude e Cultura da Câmara Municipal de Lisboa, e Leonel Moura, comissário da exposição.

INSIDE - Arte e Ciência será complementada com o programa de conferências Passeios Cognitivos, a decorrer entre 26 de Setembro e 14 de Novembro, também na Cordoaria Nacional. Artistas e investigadores debaterão com o público a influência da ciência no processo criativo. Das oito conferências destacamos “Biomateriais e Regeneração de Tecidos”, de Mário Barbosa, no dia 17 de Outubro, e “Inteligência de Enxame”, de Marco Dorigo, no dia 7 de Novembro.

O projecto culmina no dia 24 de Novembro, Dia Nacional da Cultura Científica, com a grande festa “Viva Ciência” e uma exposição dedicada a Rómulo de Carvalho, um dos grandes impulsionadores da ciência em Portugal.

Mais informações em http://www.inside.com.pt/

Acho que podíamos tentar participar deste evento.

2009-07-29T08:38:00.000-07:00

Animago 2009

Festival internacional de animação.

www.animago.com

FUSO - Anual de Vídeo Arte Internacional de Lisboa

2009-07-23T17:46:00.000-07:00

FUSO, um Festival de Video Arte que vai percorrer vários locais em Lisboa. Todas as informações no site oficial do evento.

ART ALGARVE'09

2009-06-24T08:56:00.000-07:00

O programa de arte contemporânea ART ALGARVE decorre de 20 de Junho a 27 de Setembro, nos eixos Faro/Loulé e Portimão/Lagos/Silves, integrado na terceira edição do programa de animaçãoturística ALLGARVE.

As Brigth As The Sun/Tão Brilhante Como o Sol é o tema do ART ALGARVE que inclui 10 exposições e instalações, um projecto de intervenção artística no espaço urbano, um ciclo de cinema e ainda visitas guiadas, num total de 160 obras e 95 artistas de diversos países.

Experimenta Design 2009

2009-06-20T05:01:00.000-07:00

Ocorre em Lisboa de 09 de Setembro a 08 de Novembro a edição 2009 da Experimenta Design cujo tema é "It's About Time".

Vale a pena conferir o site:

http://www.experimentadesign.pt/experimenta/pt/05_0000.html

Gabriela

IF-IF (Idanha Film and Internet Festival'09)

2009-06-17T09:03:00.000-07:00

Idanha Film and Internet Festival 2009
14 a 16 SET'09

É um Festival de Cinema Documental e Internet sem fins lucrativos sediado em Idanha-a-Nova, e tem como finalidade criar uma consciência ambiental através de produções audiovisuais.
Pretende promover e dar a conhecer uma região histórica e cultural de Portugal através do cinema independente e das suas novas tendências.

Mais informações em: http://www.if-if.org/

http://www.youtube.com/watch?v=SmZwjf2iJdw

Green Tube

“Cinco exercícios disciplinados sobre cultura contemporânea” na UAlg com António Pinto Ribeiro

2009-05-11T07:48:00.000-07:00

No dia 13 de Maio, pelas 18h30, a Universidade receberá António Pinto Ribeiro para proferir uma conferência intitulada À Procura de Escala: Cinco exercícios disciplinados sobre cultura contemporânea. A conferência, realizada no âmbito do Mestrado em Comunicação, Cultura e Artes, terá lugar na Sala de Actos da Faculdade de Ciências Humanas e Sociais (sala 2.35), no edifício 1 do Campus de Gambelas.

António Pinto Ribeiro foi director artístico da Culturgest (centro cultural em Lisboa) desde a sua criação, em 1992, até Abril de 2004. Foi programador geral do fórum cultural O Estado do Mundo na Fundação Calouste Gulbenkian, coordenador do Programa Gulbenkian Criatividade e Criação Artística e programador geral do Programa Gulbenkian Distância e Proximidade.

Referências:
http://www.antoniopintoribeiro.com/
http://industrias-culturais.blogspot.com/

Mostra Visionários_Madrid

2009-05-07T02:15:00.000-07:00

Meus caros,

Toda a informação sobre a Mostra Visionários, comissariada por Arlindo Machado e com selecção e mapeamento de vídeos de alguns países por Jorge la Ferla, encontra-se no endereço:

http://www.itaucultural.org.br/index.cfm?cd_pagina=2827

Os vídeos estarão sendo exibidos em Madrid durante a nossa estadia e o mini-curso de La Ferla abordará questões relacionadas com a mostra.

Gabriela

Maison de Jour de Fête

2009-05-04T08:31:00.000-07:00

«Eis uma forma de conhecer uma Paris eterna, com tanto de divertida quanto cinematográfica. A cidade celebra o realizador e actor francês de filmes como “As Férias do Sr. Hulot” ou “Play Time – Vida Moderna” na exposição “Jacques Tati, 2 Temps, 3 Mouvements”, centrada na Cinemateca Francesa mas que abrange eventos noutros locais. Há debates, concertos, obviamente muito cinema, mas também, “hélas”, uma “Tati Trip à Paris”.»
(http://blogs.publico.pt/fugas/)

http://www.pays-george-sand.com/

Jornalismo Literário

2009-05-04T07:44:00.000-07:00

Seminário Temático- 9 Maio

2009-05-04T03:32:00.000-07:00

Seminário temático com Giacomo Scalisi
9 de Maio às 10h00
Local: Anfiteatro C do Complexo Pedagógico

JORNALISMO LITERÁRIO

2009-05-04T02:21:00.000-07:00

No dia 07 de Maio - quinta-feira, das 14h às 17h horas, na Faculdade de Ciências Humanas e Sociais (Campus das Gambelas – Faro), sala de actos da FCHS (ed. 1, Sala 2.35), decorrerá uma palestra sobre Jornalismo Literário tendo como convidados Sérgio Vilas Boas e Mark Kramer. Sérgio Vilas Boas falará sobre o Biografismo, onde abordará os conceitos gerais da Biografia; o género biográfico em três dimensões; modos de se construir uma biografia (livro); as feições de um "texto-perfil" (imprensa); como produzir um "texto-perfil" de com qualidade narrativa. Sergio Vilas Boas, 43 anos, é jornalista, professor de Jornalismo Literário, mestre e doutor em Comunicação pela Universidade de São Paulo (USP) com pesquisas sobre narrativas biográficas. Trabalhou em vários jornais. Conhecido nacionalmente por seus livros Biografismo (2008), Biografias & Biógrafos (2002) e Perfis (2003 - colectânea de doze perfis de escritores). Vencedor do Prêmio Jabuti 1998 categoria reportagem com Os estrangeiros do trem N (Editora Rocco). Co-diretor da Academia Brasileira de Jornalismo Literário e editor da revista eletrônica TextoVivo Narrativas da Vida Real. Mark Kramer, por sua vez, ocupar-se-á da maneira como os jornalistas articulam o seu discurso e os factores que contribuiram para tal evolução. Why Do Journalists Talk Weird? -- A movement toward conversational, narrative news stories hints at some of what ails journalism, how things got that way, and suggests one remedy. Mark Kramer escreve para o The Boston Globe, a The New York Times Magazine, National Geographic, The Atlantic Monthly, Outside e outras publicações. Escreveu os livros: "Three Farms: Making Milk, Meat and Money from the American Soil," "Invasive Procedures: A Year in the World of Two Surgeons," e "Travels with a Hungry Bear: A Journey to the Russian Heartland." É co-editor das antologias "Literary Journalism," e "Telling True Stories: a writer’s guide to narrative nonfiction from the Nieman Foundation at Harvard University," foi escritor-em-residência e director do Nieman Program on Narrative Journalism, em Harvard, onde ensinou Jornalismo Literário. Foi também escritor-em-residência e professor de Jornalismo na Universidade de Boston de 1991 a 2001 e no Smith College. Dirige workshops para jornalistas em vários órgãos de comunicação nos E.U.A.

O evento é aberto a todo ao público interessado.

Evento Arte e Media

2009-04-29T03:15:00.000-07:00

1.º Simpósio Internacional de Comunicação, Cultura e Artes

2009-04-29T03:11:00.000-07:00

2009-04-29T03:05:00.000-07:00

Tropfest - festival de curtas-metragens

O Tropfest é o maior festival de curtas-metragens do mundo. Começou há 17 anos em Sydney. No ano passado teve a sua primeira edição em Nova York. O vencedor do ano passado foi o filme "Mankind Is No Island" by Jason van Genderen, que foi totalmente filmado com um telemóvel. O orçamento foi de 40 dólares (cerca de 30 euros).

http://www.youtube.com/watch?v=ZrDxe9gK8Gk

Colóquio Interculturalidade nas Artes e nos Media

2009-04-27T09:47:00.001-07:00

O Centro de Estudos Interculturais (CEI) do ISCAP acolhe e organiza o Colóquio "Interculturalidade nas Artes e nos Media", que terá lugar no dia 29 de Abril, quarta-feira, pelas 15 horas, na Sala de Leitura Informal da Biblioteca do ISCAP.

Este colóquio contará com a presença do Doutor Hudson Moura, da Universidade Simon Fraser (Canadá) que apresentará a comunicação "Interculturalidade e Globalização na Arte Contemporânea: Tradução, commodities e gêneros", e da Doutora Gabriela Borges, do CIAC (Centro de Investigação em Artes e Comunicação), da Universidade do Algarve, com a comunicação "Identidades Culturais Híbridas em Narrativas Audiovisuais Contemporâneas".

Fotografar com latas e caixotes

2009-04-26T14:55:00.000-07:00

Hoje, 26 de Abril de 2009, é o Dia Mundial da Fotografia Pinhole. A fotografia pinhole, à letra, feita «pelo buraco da agulha», foi inventada há mais de 400 anos e continua na moda, tendo milhares de adeptos em todo o mundo, amadores e profissionais, que a utilizam como forma de arte.
À semelhança do que acontece desde 2001, no último domingo do mês de Abril, os entusiastas deste tipo de fotografia entregaram-se hoje, uma vez mais, à captação de imagens, que já podem ser consultadas na Internet, no sítio www.pinholeday.org, que também disponibiliza os arquivos dos anos anteriores. Só no ano passado, 2628 fotógrafos (37 portugueses) de 62 países, expuseram assim os seus trabalhos! Este ano, e a esta hora, já podem ser vistas 334 fotografias; 3 delas, a cores, são de portugueses: uma de Pedro Gil, intitulada «Sunrise in Lisboa», outra de Mindaugas Kiaupas, intitulada «tired» e outra de Gimez, intitulada «African shades».
A técnica pinhole não é nova: os primeiros escritos sobre o princípio fotográfico subjacente datam do século V a. C., e a primeira câmara pinhole, ou estenopeica – como também se designa, foi desenhada em 1545. Uma caixa ou lata de vinho, perfume, cigarrilhas, CDs ou óculos, uma tampa de iogurte pintada de preto, um íman, a parte metálica de uma disquete, um alfinete e papel fotográfico podem ser os materiais de uma câmara estenopeica, que dispensa qualquer lente ou instrumento óptico: «os raios de luz reflectidos a partir de um objecto passam através de um orifício e projectam essa imagem, mas invertida, no lado oposto» (afinal, o princípio básico da fotografia).
A revista Sábado, n.º 260, de 23 a 29 de Abril de 2009, que me serve de referência para este post, apresenta nas páginas 96-97 um texto que explica o conceito pinhole, o princípio fotográfico subjacente, como construir e utilizar uma câmara pinhole e os custos associados; esse texto é acompanhado por imagens de câmaras pinhole e de fotografias tiradas com estas câmaras, por António Campos Leal, de 57 anos, antigo repórter fotográfico e professor do Instituto Português de Fotografia.
Todas as fotografias, a preto e branco, apresentam uma legenda onde se indica o local fotografado, a máquina utilizada, o tempo de exposição e um comentário breve da responsabilidade do fotógrafo e fundador do Clube de Fotografia Buraco de Agulha (galeria e outros conteúdos em www.pinhole.no.sapo.pt).
«Estas câmaras [pinhole] permitem captar imagens completamente diferentes das que captamos com máquinas convencionais. A profundidade de campo é infinita, a definição dos objectos que estão mais próximos da câmara é igual à dos que estão longe e, como o movimento não é congelado, as manchas da imagem são mais sedutoras», explica A. C. Leal, para quem paciência (os tempos de exposição são elevados: uns 20 segundos com sol, mas de 20 minutos a várias horas dentro de casa; por outro lado, sem fotómetro, uma tentativa pode não bastar), lixo e acesso à Internet (para aprender a revelar) são os requisitos para tirar boas fotografias pinhole a custo quase zero.

Simpósio CCA

2009-04-22T16:41:00.000-07:00

Agradeço a todos a colaboração e a participação no I Simpósio Internacional em Comunicação, Cultura e Artes.

Um agradecimento especial às alunas Ana, Margarida, Sílvia, Pedro Felipe, Olívia e Rosa e às funcionárias Ana Maria e Isabel, sem os quais não teria sido possível realizar o evento!

As fotos são da Olívia, a nossa fotógrafa oficial!

Gabriela

Conferência - A Representação da Ciência e dos Cientistas no Cinema

2009-04-22T02:56:00.000-07:00

Conferência a cargo do crítico de cinema Martin Pawley
Terça-Feira- 28 de Abril -16h30 | sala 2.35
FCSH- Gambelas

nada

2009-04-21T02:26:00.000-07:00

Revista sobre Tecnocultura, Pensamento, Arte e Ciência.

Visitem o site:

http://www.nada.com.pt/

«A revista NADA tem tido uma publicação constante nos últimos 5 anos e prepara-se para lançar o 13º volume. Com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian e do Instituto Camões, construiram uma plataforma electrónica que partilha dos mesmos princípios, embora tenha sido concebida de forma adequada ao meio virtual, tirando todas as vantagens que este proporciona.»

WoodStock (40anos)

2009-04-14T14:53:00.000-07:00

WoodStock regressa para celebrar os 40 anos
Festival terá lugar em Nova York e Berlim, e já conta com Limp Bizkit e The Who no cartaz.

"O festival Woodstock irá acontecer tanto em Nova York quanto em Berlim (Alemanha) no proximo mês de agosto.
De acordo com o promotor Michael Lang, em Nova York o festival será nos dias 15 e 16 de agosto, exatamente no aniversário dos 40 anos de sua 1ª edição, enquanto em Berlim o evento será nos dias 22 e 23 de agosto num aeroporto abandonado."
artigo retirado de: http://blitz.aeiou.pt/

Viagem a Madrid

2009-04-09T07:35:00.000-07:00

Caso haja algum colega interessado e que ainda não tenha efectuado a reserva do voo para Madrid,fica aqui a informação da reserva já efectuada pelo grupo:

Companhia aérea : easyJet
Voo directo com origem em Lisboa
partida 21/05_ hora Voo: 20:25 Check-in entre as 18:25 e as 19:45
Regresso a 24/05_ hora Voo: 15:40
Preço ida e volta à data de hoje: €62

Boa viagem!!

Nota:Restantes informações sobre alojamento e preços contactar a profª Mririam.

Mostra Video Autoretratos Documentais

2009-04-09T03:31:00.000-07:00

Meus caros,

Vejam o blog da Mostravideo do Instituto Itaú Cultural no Brasil. O comissário do mês de Abril é o Jorge la Ferla.

http://mostravideoitaucultural.wordpress.com

abs,
Gabriela

Discursos do Outro Mundo...Virtual

2009-04-07T13:55:00.000-07:00

Um interessante blog do professor universitário Paulo Frias. Vale a pena conhecer.

http://discursosdooutromundo.blogspot.com/

1º Mostra de Cultura Fílmica

2009-04-06T04:04:00.000-07:00

30 de abril _ às 21h00 no Páteo das Letras

Filmes:
O raptado - Curta Metragem de Rodrigo Machado
Um Cão Andaluz - Filme de Luis Buñuel
The Alphabet- Curta metragem de David Lynch

Convidados:
Prof. Doutora Miriam tavares
Prof. Doutor Vítor Reia baptista
Rodrigo Machado
Paulo Fialho

Palestra sobre música nos meios audiovisuais

2009-03-27T04:27:00.000-07:00

Meus caros,

Na terça-feira, dia 31 de Março, a Profa. Ana Sedeño da Universidade de Valencia dará uma palestra na minha aula na sala 1.37 às 18h30.

O título é "Historia de la música en los medios: cine experimental, videoarte, televisión".

Estão todos convidados!

Aproveito também para sugerir que depois da viagem de estudos de Maio ao Reina Sofia, organizemos uma viagem ao Festival Ars Electronica em Linz, como menciona a Célia, acho que vale a pena porque é um dos mais prestigiados festivais nesta área.

Cumprimentos,

Gabriela

LOW-COST SEVILHA-GIRONA-LINZ

2009-03-26T06:16:00.000-07:00

Voo LOW-COST

A visitar (consultar)
http://www.visitgirona.com/
http://www.ryanair.com/site/PT/
www.linz09.at/en/index.html

Acho que vale a pena ir!

Ars Electronica

2009-03-24T18:11:00.000-07:00

Criado por Hubert Bognermayer em 1979, estabeleceu-se em Linz (Áustria), o Festival Ars Electronica, um dos primeiros eventos que explorava as possibilidades artísticas e consequências sociais da tecnologia digital na cultura contemporânea. Ars Electrónica é um dos festivais mais significativos no campo da “Media Art”, que desde há 30 anos tem lugar na pequena cidade.

Colocando arte e design como motores críticos das implicações sociais e culturais da tecnologia, o festival engloba investigações artísticas e académicas numa multiplicidade de formatos - simpósios, exposições e performances - sendo o foco da edição de 2008 uma “nova economia cultural”.

Este ano celebra o seu 30º aniversário com a abertura do “Museum of the Future” integrado na Capital Europeia da Cultura – Linz 2009. Encontra expressão num abrangente arquivo digital e combina uma multiplicidade de plataformas de acesso intuitivo, com uma abordagem lúdica e uma nova imagem do Homem.

www.linz09.at/en/

O festival realiza-se de 03 a 08 de Setembro'09, é dedicado na sua totalidade para o "Zukunft / Futuro". Mostra o atrevimento/ ousadia numa visão do futuro e a questão geral entorno do conceito "futurismo".
O festival é talvez o melhor ponto de ancoragem do debate actual entre arte, tecnologia e sociedade, reunindo tanto os especialistas deste meio interdisciplinar como um público cada vez mais fiel ao nível de qualidade deste evento no contexto actual de proliferação de festivais de artes digitais e novos media.

Cada ano o festival propõe aglutinar questões emergentes e pertinentes neste domínio, segundo uma abordagem temática implementada em 1987 por Peter Weibel, que durante a sua direcção ergueu igualmente os prémios e contribuiu para uma maior aproximação do festival à comunidade artística e ao público geral.

Passando do nível conceptual à práctica, o Ars Electronica desdobrou a sua acção com a implementação do centro Ars Electronica, em 1996, que detém um extenso arquivo de obras digitais, e com a criação do laboratório de I&D Futurelab que desenvolve projectos e colaborações artísticas a nível internacional.
ARS Electrónica tem vindo, desde então, a definir-se como uma plataforma internacional única para a arte digital e cultura dos media em quatro vertentes: o festival, os prémios, o centro e o “Futurelab”.

mais informações:
http://www.aec.at/

Entrega da Monografia

2009-03-15T07:29:00.000-07:00

Meus caros,

O prazo para a entrega da monografia foi prorrogado até 30 de Março.

Não deixem para a última hora porque não poderei aceitar entregas depois deste prazo.

Bom trabalho!

Gabriela

INTERFACES “friendly” e invisibilidade

2009-03-11T19:13:00.000-07:00

Com a web-art assistimos ao domínio do computador como interface. Surgem as artes interactivas que utilizam vários processadores com uma multiplicidade de interfaces, a partir de processos de scanning do analógico (pessoas, paisagens ou objectos) das artes clássicas.
As obras interactivas vistas numa perspectiva «emersiva» e «dinâmica» são a articulação do espaço «real» e «virtual».

«Começo a ver os interfaces como uma forma de arte, e inesperadamente vejo-me a mim próprio como um artista». (Myron Krueger)

A visibilidade para a arte é um problema, para a estética interactiva, a visibilidade, os seus avatares e «interfaces», são a solução.

O “friendly” é uma forma de ocultamento diz Zielinski, «o interface não é uma superfície do maquínico que tem de ser desenhada, nem a sensorialidade expandida do homem-média, mas sim um movimento, como uma aresta a percorrer», «os interfaces têm de ser interactivos e empáticos ou mesmo biociberneticamente interactivos, isto é, têm de organizar algo de vivo no interior do circuito fechado».

A evolução da noção de interface converteu-a num conceito moldável a qualquer situação ou processo onde se verifique transferência de informação e torna-se impossível impor uma definição rígida, para que possamos rentabilizar a sua utilização.

A expansão das interfaces "friendly" com o utilizador, foi-se difundindo, entre os designers de software e os investigadores da interacção Humano-Computador, uma visão dos processos de interacção em termos puramente instrumentais. Neste contexto, tem sido entendimento consensual que uma interface representa uma espécie de extensão do nosso corpo que bem projectada desaparece quando a utilizamos, o que realça a neutralidade e invisibilidade enquanto características fundamentais das interfaces.

O design de uma interface deve ter em vista uma resposta positiva do utilizador ao nível da sua satisfação. O actual estado de desenvolvimento do design de interfaces permite inclusivamente que o designer tenha preocupações ao nível das manifestações afectivas do utilizador motivando-o para a interacção.

Quando uma interface é agradável os utilizadores tornam-se mais tolerantes quanto à sua usabilidade. Mas é essencial combinar a usabilidade e os outros elementos do design, como as características estéticas e, sobretudo, a legibilidade.

http://www.julianoliver.com/levelhead

(Demo video of new conceptual game 'levelHead' by Julian Oliver).
This is an actual game-prototype using techniques and tools from a well-known branch of computer vision called Augmented Reality.
Using tilt motions, the player moves a character through rooms that appear inside one of several cubes on a table. Each room is logically connected by a series of doors, though some doors lead nowhere (they are traps).
The player has 2 minutes to find the exit of each cube, leading the character into the entrance of the next. Work is also being done to use invisible markers such that the cube itself appears entirely white to the naked eye.

Linz (Áustria)

2009-03-11T19:08:00.000-07:00

“Quem quiser visitar a austríaca LINZ, CO-Capital Europeia da Cultura, pode optar por fazer parte de pelo menos um dos seus projectos. Como?
Alojando-se nele. O pixel Hotel convida os visitantes a experimentarem as suas acomodações pouco convencionais, que se dispersam por toda a cidade.” (Artigo retirado revista FUGAS – 7Mar.09)
Este ano apetece-me visitar LINZ (Aústria).
Achei o projecto espectacular, visitem o site: http://www.pixelhotel.at/, eu experimentava o quarto com a caravana estacionada a servir de sala (ehehe), demais!
Não deixem também de visitar http://www.linz09.at/

Darwin’s Evolution

2009-03-11T19:03:00.000-07:00

“Está patente na Gulbenkian, em Lisboa, a exposição comemorativa do bicentenário do nascimento de Charles Darwin e do 150.º aniversário da publicação do livro “A origem das espécies”.
Comissariada pelo biólogo José Feijó, a mostra apresenta a vida e obra do célebre naturalista.”
Acho que vale a pena!
:D

Oktapodi

2009-03-10T08:41:00.003-07:00

Agora que o calor começa a chegar aos poucos, convido-vos a ver esta curta de animação que conta a história de dois polvos apaixonados. Criado pelos estudantes Julien Bocabeille, François-Xavier Chanioux, Olivier Dalabarre, Thierry Marchand, Quentin Marmier e Emud Mokhberi (da escola francesa Gobelins), o filme conquistou vários prémios de cinema, e foi nomeado para o Óscar de Melhor Curta de Animação este ano.

O Cinema de animação digital no seu melhor :) Site oficial aqui.

Referência Bibliográfica

2009-03-06T03:35:00.001-08:00

Meus caros,

Vale a pena visitar este site!! Muita informação sobre ciberespaço, hipertexto e teoria crítica.

http://www.cyberartsweb.org/cpace/cpace/cspaceov.html

Gabriela

A percepção no Modo SE

2009-02-19T08:22:00.000-08:00

Em complemento do post anterior, segue um estrato de um e-paper de FRAGOSO, S. - O Espaço em Perspectiva, sobre os conceitos de Identidade, Percepção, Subjectividade nos fenómenos de produção/criação no contexto evolutivo das tecnologias de produção simbólica.

"O conceito-chave de Couchot para se entender o modo particular como a subjetividade é construída nos meios visuais é o de sujeito-SE (sujet-ON, em francês). Fazendo acoplar à palavra sujeito o pronome indefinido on (equivalente a se em português, como em on dirait que…/dir- se-ia que…), Couchot busca exprimir uma outra experiência de subjetividade, aquela que deriva não de uma vontade, de um desejo, de uma iniciativa, de um lapso de um sujeito constituído (ainda que ausente), mas dos automatismos do dispositivo técnico, “questão chave – explica ele – num momento em que o numérico parece, aos olhos de muitos, desapossar o criador de toda singularidade e de toda expressividade e reduzir o ato criador aos puros automatismos maquínicos” (Couchot, 1998: 8). O conceito foi inspirado em Merleau-Ponty (1999: 322) – “a percepção existe sempre no modo do se” – mas foi apropriado por Couchot numa perspectiva bastante particular, visando dar conta das relações existentes entre a subjetividade e a automatização do gesto enunciador. A idéia de automatização vem evidentemente de Simondon (1969: 120s), o primeiro a pensar o acasalamento homem-máquina e a transferência de parte dos procedimentos produtivos à tecnologia. De uma forma bastante simplificada, podemos resumir como se segue o pensamento de Couchot sobre o sujeito-SE. Com a evolução das tecnologias de produção simbólica, há um momento em que os procedimentos de construção ganham autonomia: eles podem funcionar sem a intervenção (ou com um mínimo de intervenção) de um operador. No campo das técnicas figurativas, essa automatização do gesto enunciador aparece pela primeira vez de forma suficientemente poderosa e complexa com o surgimento da fotografia no século XIX, mas as suas primeiras tentativas remontam às técnicas de codificação óptica e geométrica da perspectiva renascentista por Leon Baptista Alberti. De fato, é com a perspectiva de projeção central, em primeiro lugar, e logo depois com os vários aparelhos que automatizam parcialmente o processo pictórico (o intersetor de Alberti, a tavoletta de Brunelleschi, o prospettògrafo reticolato de Dürer etc.) que a pintura começa a se liberar do olho e da mão do pintor, transferindo parte do processo construtivo a dispositivos ópticos e a uma série hierarquizada de operações matemáticas, que corresponde a uma espécie de algoritmo geométrico. “A perspectiva – observa Couchot (1988: 35) – é portanto uma máquina de ver no sentido mais completo do termo: perceber e figurar, registrar e inventar”. É, portanto, no Renascimento, em primeiro lugar, com a sistematização albertiana da perspectiva, e com maior ênfase no começo do século XIX, com a invenção da fotografia, que nasce aquilo que Couchot chama de o sujeito aparelhado (le sujet appareillé), fortemente dependente de uma máquina que realiza boa parte das operações de ver e representar. Esse sujeito aparelhado que nasce com a perspectiva e a fotografia passa a funcionar sob um modo indefinido, impessoal e anônimo (nele, o eu se ausenta), sob o modo do SE, para retomar a expressão de Merleau-Ponty. “Essa indefinição – adverte Couchot – não significa, entretanto, que esse SE perde suas qualidades de sujeito e se torna objeto. SE permanece sempre sujeito, sujeito do fazer técnico, mas um sujeito despersonalizado, fundado numa espécie de anonimato” (1998: 8). Assim, à medida que vai sendo substituído por processos de automatização, o olhar é colocado a funcionar, a partir do século XV, sob o modo impessoal do SE. Mas ele não perde, com isso, a sua função mais propriamente subjetiva (definidora da ação de um sujeito). Pelo contrário, grande parte desses procedimentos técnicos vão, na verdade, ampliar, reforçar o seu papel agenciador da visão. O sujeito se torna anônimo, sem identidade (porque, em essência, é um algoritmo que “vê” e enuncia), mas o seu papel estrutural, o seu papel “assujeitador” é potencializado. Em lugar de apagar-se e perder a sua função, o sujeito torna-se a razão plena do ato da figuração: não se trata mais simplesmente de uma imagem, mas de uma imagem vista, de uma imagem que é visada, a partir de um lugar originário de visualização, por algo/alguém, que é uma espécie de sujeito-máquina. A perspectiva – sobretudo aquela que nos vem regendo durante pelo menos os últimos 500 anos – inaugura, portanto, novas bases culturais, científicas, epistemológicas a até mesmo políticas de se pensar e praticar as imagens. E se é verdade que vivemos hoje uma “civilização das imagens”, qualquer conhecimento sério dessa civilização deve começar por aquilo que a funda: a perspectiva".

FRAGOSO, S. O Espaço em Perspectiva. Rio de Janeiro, E-Papers, 2005.

http://www.midiasdigitais.org/?p=20

Experiência Tecnestésica

2009-02-19T07:49:00.000-08:00

No seguimento do Texto de José Bragança de Miranda " Da interactividade. Crítica da nova Mimesis Tecnológica", eis uma entrevista do artista e teórico Edmond Couchot que me interessou e onde podemos encontrar o conceito de "experiência tecnestésica"- A relação entre o sujeito-Eu e o sujeito-SE.

De realçar ainda a mensagem que nos deixa sobre a emergência de uma nova definição de autor, obra e espectador-"De agora em diante, a tarefa dos artistas é, portanto, inventar uma nova imagem da subjetividade e um novo modo de relações intersubjetivas que levem em conta a automatização das funções próprias ao sujeito-eu e seu deslocamento rumo a novos campos do imaginário, o que acaba gerando uma nova definição das noções de autor, obra e espectador".

http://www.cibercultura.org.br/tikiwiki/tiki-read_article.php?articleId=22

Vincent Laforet - As possibilidades do Digital

2009-02-16T16:45:00.001-08:00

No seguimento da discussão sobre Cinema Digital, e das novas realidades técnicas assim possibilitadas, vale a pena conhecer o trabalho de um jovem norte-americano, Vincent Laforet, com extenso currículo na fotografia digital. Aproveitando as possibilidades das mais recentes máquinas fotográficas digitais, dedicou-se nos últimos anos à realização de pequenas curta-metragens. Na entrevista em baixo, Vincent explica as potencialidades de uma CANON 5D, e aqui, podem ser visionados os filmes do autor.

Offf 2009

2009-02-14T04:20:00.000-08:00

7, 8 e 9 de Maio em Oeiras - Portugal
O festival aborda as últimas tendências estéticas no mundo digital e de programação, pretendendo ser uma celebração mundial da criação digital.
O evento vai contar com vários profissionais da área digital, web designers, graphic designers, motion graphic designers, researchers, directors, advertising creatives, etc.

Alguns nomes como: Eric Wilhelm, Peter Kirn or Gijs Gieskes (http://www.gieskes.nl/) .

Experiencia única e a oportunidade de ver o melhor do mundo da cultura digital.

http://www.offf.ws/

General Pass 3 Days Ticket: 75 euros

Referências bibliográficas para o trabalho

2009-02-13T06:56:00.001-08:00

Já tenho no meu gabinete os livros que sugeri para vocês ontem.
Quem puder, passe por cá para recolher e quem não puder, mande-me um email e combinamos de outra forma.

Referências bibliográficas na net

2009-02-13T06:53:00.000-08:00

Envio abaixo o link de sítios que fazem uma coleta bibliográfica sobre blogs e redes sociais.

http://pontomidia.com.br/wiki/doku.php?id=blogbrasil

http://pontomidia.com.br/wiki/doku.php?id=redessociais

Boa referência.

Dois portais sobre História da Arte

2009-02-13T02:01:00.001-08:00

Na última semana soube, por vias diferentes, de dois portais sobre História da Arte. Em comum têm o facto de apresentarem formatos muito apelativos e de se fundamentarem em referências rigorosas. Um é em língua francesa (Portail de L'Histoire de L'Art), ou outro (smArt History) em inglês. Valem a pena algumas visitas.

TIN EYE: pesquisa imagems

2009-02-11T10:18:00.000-08:00

TINEYE é uma ferramenta que permite econtrar imagems na web, mais não a travês do nomem, como em google, se não que a partir de uma imagem (que tenhamos em computador ou em uma web) podemos pesquisar em que outras webs está. Pareceume interessante colocar aqui esta ferramenta util, da que falara a Profa. Ana Soares em sua aula.

O MEAT SPACE, OS MUD E O AVATAR DA PROFESSORA

2009-02-11T09:41:00.000-08:00

A ideia da internet como um outro local onde sociabilizar escolhendo uma identidade é uma das utopias que funciona como motor para o desenvolvimento da rede.

Nas aulas de Midia Digitais nos falamos de ciberespaço. O que acontece é que há outros que já pensam ao contrario do que nós e já falam de meat space. O meat space compreende aquelas escassas acções que seriam realizadas fora do espaço virtual. Eu (a Olivia) nunca tinha reparado em “dar la vuelta a la tortilla” assim. Paga a pena reflectir sobre essa “tecno-utopía” de que a rede possa ser um espaço libre.

Os MUDs dos que fala Arlindo Machado são o mundo jurássico dos relacionamentos sociais em internet. As siglas significam Multi User Domains e também Multi User Dungeons (Mazmorras), em referencia ao jogo de rol Dragones y Mazmorras (em espanhol) que os inspirou. Os MUDs ainda não tinham aspecto gráfico, mais já demandavam uma identidade fictícia. Como dí o texto, o pioneiro dos mundos sociais virtuais com gráfica e parecidos ao quotidiano foi o Habitat da Lucasfilm, em que os avatares viviam dentro duma comunidade urbana (a imagem é do Habitat)

A minha reflexão é que algo que na sua origem é um jogo de rol tradicional, algo no que eu, pelo menos, nunca participei e não pensei em participar, agora pode formar parte do meu quotidiano e não como um jogo.
Para que vejam isto eu tentei fazer um avatar da nossa professora.

Mais, pensem nos pontos fracos da “tecno-utopía”. Ainda que há bastante liberdade na página da voki, para fazer este avatar da Profa. Gabriela, não tive toda a escolha.

Então, será que temos a completa liberdade de criar a nossa identidade na rede? E também é importante pensarmos em os interesses económicos que há trás essas identidades que criamos cada vez que fazemos um login?

Algumas das informações deste post foram extraídas do capítulo 5 do livro Arte en la red. Nesse texto, Jesús Carrillo cita a William J. Mitchell que já fala das “primeiras cidades abandonadas de internet”, resultado desses jogos. Se há cidades abandonadas, pensem também em todos os “cadáveres identitários” que ficam cada vez que abandonamos um login na rede.

Desculpem os erros do meu português.

Bibliografía:
CARRILLO, Jesús, (2004), Arte en la red, Ensayos Arte Cátedra, Madrid
MACHADO, Arlindo, (2002) “Regimes de Imersão e Modos de Agenciamento”, trabalho apresentado pêlo núcleo de Pesquisa Comunicação Audiovisual, XXV Congreso Anula em Ciência da Comunicação, Salvador/BA
Web para crear avatares: www.voki.com

Os Videojogos como espaço publicitário

2009-02-09T09:16:00.000-08:00

Os videojogos são actualmente uma das maiores indústrias do mundo do entretenimento. Estima-se que milhões de pessoas de todas as idades têm nos videojogos a sua maior fonte de diversão, passando inúmeras horas em frente ao computador ou às consolas.
Não é pois de admirar que muitas empresas e/ou corporações já olhem para os videojogos como um meio de publicidade, relegando para segundo plano os meios mais tradicionais, como os jornais ou as televisões. Segundo um estudo da consultora Parks Associates prevê-se que o investimento em publicidade nos videojogos irá passar dos actuais 50 milhões de euros para 600 milhões em 2009.
As vantagens em usar os videojogos como suporte publicitário são muitas. Para além de chegar a um público variadíssimo, de diferentes idades, sexo, classe social, etc…, há também a relação que se estabelece entre a marca e o consumidor, que ao ver a marca no seu videojogo favorito a adopta como uma marca quase pessoal, simbolizando o seu estilo. Há ainda o facto de que no videojogo o produto publicitado aparece sempre que o jogador joga, ao contrário por exemplo, da televisão em que há horários fixos e limitações temporárias aos anúncios publicitários.

A publicidade nos videojogos pode encontrar-se nos mesmos lugares onde seria de se esperar se se tratasse do mundo real, por exemplo, cartazes publicitários, posters e ecrãs virtuais de TV publicitários espalhados ao longo dos cenários.

Contudo, outras formas são usadas, nomeadamente a “presença” de lojas e restaurantes reais no espaço virtual, a presença de objectos (telemóveis, carros, relógios, etc), muitas vezes usadas pelas próprias personagens do videojogo.
Por exemplo, nos primeiros três videojogos da saga Splinter Cell a personagem principal, um espião secreto Americano, usa um telemóvel SonyEricsson de maneira a ajuda-lo nas suas missões. No mais recente capítulo da série a mesma personagem usa um PDA da marca Nokia. É visível a aposta feita pela marca de modo a associar o seu produto de ponta, neste caso um PDA, a uma personagem altamente treinada e competente naquilo que faz, ou seja, o melhor na sua área. A Nokia associa assim, como já tinha feito a SonyEricsson, um produto seu, tecnologicamente avançado, a uma personagem, ainda que virtual, também ela altamente qualificada.

Um dos passos de gigante dados para a afirmação dos videojogos como meio de publicidade foi dado na recente campanha eleitoral norte-americana, na qual o candidato, que de resto viria a ganhar, Barack Obama, apostou na publicidade no espaço virtual dos videojogos. No jogo “Burnout Paradise”, um popular jogo de corridas, a cara do candidato Democrata, assim como o endereço do seu site, aparece em cartazes ao longo das pistas. Também em jogos de basquetebol e hóquei no gelo, desportos bastante populares nos EUA, se pode ver cartazes com a face de Obama.

V2_Arquive

2009-02-05T03:42:00.000-08:00

Gostaria de deixar o link de um projecto que me parece bastante interessante e que se assemelha a um dos projectos que pretendemos desenvolver no âmbito das actividades do Ciac na Ualg. Vale a pena conferir!
http://framework.v2.nl/archive/general/all.xslt

O que são as novas artes liberais?

2009-02-03T09:55:00.000-08:00

Algumas pistas podem ser seguidas a partir do blogue de Jason Kottke.

OPACO

2009-02-02T16:45:00.000-08:00

A propósito da conferência do professor Javier Hernan-Ruiz no último seminário, em que foram debatidos as novas possibilidades do cinema na era digital, torna-se oportuno apresentar um projecto inovador de Martín Crespo, artista paraguaio com extenso curriculo na área da fotografia e do vídeo.

Apresentado no Festival de Cinema de Sundance em 2006,o filme OPACO destacou-se por ser a primeira curta-metragem feita integralmente com cerca de 15.000 fotografias, aproveitando a funcionalidade de disparo contínuo da máquina utilizada, uma Nikon D50, para dar a ilusão de movimento. Interessante aqui é o facto de ser uma espécie de experimentalismo à volta daquilo que é, no fundo, a génese do cinema: a ilusão de movimento pela sequência rápida de vários fotogramas por segundo.

Neste novo conceito experimental, cada "fotograma" é uma fotografia captada por uma máquina fotográfica digital, cada uma das 15.000 existe como objecto próprio e palpável. É a sua montagem e sequência que cria o filme, homenageando o metódo clássico e tradicional do velho cinematógrafo. É o digital ao serviço da génese do cinema, re-interpretando a sua base técnica.

A seguir, o trailer do filme, que tem a duração total de 35m.

Conferência Profa. Luciane Lucas

2009-02-01T10:26:00.000-08:00

Meus caros,
a conferência da Profa. Luciane Lucas será amanhã, dia 2 de Fevereiro, na sala 1.37, a partir das 18h30.
Até lá,
Gabriela

STELARC - “Das estratégias psicológicas às ciberestratégias: a Protética, a Robótica e a Existência Remota.” 2

2009-02-01T07:00:00.000-08:00

Consequências desta consciência da necessidade de uma nova adequação entre o corpo e a tecnologia:

1. O objecto artístico poderá passar do exterior para o interior do corpo, onde assumirá a função de ornamento estético. O interior do corpo deixa de ser o lugar da identidade ou do divino no humano.

2. Com um corpo autónomo e mais eficiente poder-se-ão desenvolver corpos especializados para lugares específicos, adaptados às condições desses lugares

3. Os corpos híbridos ultrapassam a limitação do nascimento e da morte. Vida é simplesmente operacionalidade.

4. O corpo pode ser tranquilizado, respondendo ao que necessita, conservando energia para o que realmente importa.

5. Poder-se-ia transferir no espaço a resolução de uma acção física através de processos on-line: o corpo tornar-se-ia interactivo, agindo simultaneamente num “aqui” e num “lá”, sem ter que estar totalmente num lado ou noutro.

6. Sendo o corpo um objecto, elidem-se identidades e emoções, por forma a intensificar operações e iniciar sistemas inteligentes.

7. Reprojectando o humano, compatibiliza-se este com a máquina, o que significa manter a acção humana de modo mais prolongado temporalmente.

8. O corpo tem a necessidade de microvigilância interna, uma vez que os sintomas do seu mal estar surgem tarde demais. A nanotecnologia alteraria a arquitectura do corpo de dentro para fora (viabilização de uma nova filogénese).

9. Desenvolvimento de sistemas de Teleoperação: Teleautomação, a simulação forward, Telepresença e Teleexistência. Estes sistemas transformariam o espaço electrónico mais num meio de acção que de informação, o que reconduz a uma reestruturação do corpo multiplicando as sua capacidades operacionais, já que estes sistemas interactuam com o corpo para além dos mecanismos mão-olho.

10. O corpo ligado à tecnologia da realidade virtual, pode actuar no seio de espaços de data e digital. Assim, o corpo como imagem é interactivo, ganha um conjunto de competências, funções que ampliam o seu corpo físico e uma inteligência artificial. O corpo físico “muta-se” em corpo fantasma capaz de projectar e potencializar o primeiro. O corpo fantasma transgride as fronteiras entre masculino-feminino, humano-máquina, tempo-espaço. A pele não determina a identidade, nem a consciência, pois o eu está além da pele, como estrutura fluida que responde a uma matriz meramente tecnológica materializada por imagens.

STELARC - “Das estratégias psicológicas às ciberestratégias: a Protética, a Robótica e a Existência Remota.”

2009-02-01T05:00:00.000-08:00

TESE: Necessidade de reposicionamento do corpo, ultrapassando os seus limites biológicos e psíquicos de modo a adequá-lo a uma matriz electrónico/tecnológica, através da utilização de componentes mecânicos e electrónicos a ele ligados e nele inseridos.
Argumentos:
1. O processo de evolução filogenético da espécie humana estagnou. O cérebro e o corpo humanos não conseguem abarcar, interiorizar e responder adequadamente aos estímulos e dinâmicas externas que eles próprios puseram em marcha. A resposta do cérebro à enorme quantidade de informação disponível, é obliterar e negar, através da especialização, a nova realidade informativa à escala planetária. É necessário eliminar os limites biológicos, culturais e planetários do corpo.
http://www.youtube.com/watch?v=Nym8hfNI9Gg

2. A liberdade humana não pode ser mais entendida como liberdade de ideias, mas como liberdade de mudar e alterar a estrutura do próprio corpo, para formas adequadas a novas exigências físicas e cognitivas.

3. O corpo tem que ser activado nos seus mecanismo biológicos, através de componentes tecnológicos – a biotecnologia deverá ser orientada para esta necessidade de adequação do corpo em ultrapassar a sua obsolescência.

4. O corpo está obsoleto. Chegou a altura de perguntar sobre a adequação real do nosso corpo (“intimidado pela precisão, velocidade e poder da tecnologia”) ao Mundo tal como é Há que pensar em estratégias evolutivas para o corpo humano. A própria reprodução não faz mais sentido, existe antes a necessidade de “intensificar a relação masculino-feminino através da interface homem-máquina”.
http://www.youtube.com/watch?v=OKEfJRe4uys&feature=PlayList&p=60F8692146D9FFE1&playnext=1&index=71

5. Os corpos tornam-se ausentes. Não basta ter um corpo, mas ser um corpo. É desta consciência que poderemos pretender chegar a uma maior adequação dos actos e ideias aos novos estímulos e dinâmicas exigidas por uma “abertura-para-o-mundo”.
http://www.youtube.com/watch?v=m4FMRhfuscg

6. O corpo deve ser visto como uma estrutura que tem que ser modificada e monitorizada. O corpo é um objecto de um projecto que tem como finalidade uma nova consciência do Mundo.
http://www.youtube.com/watch?v=yuzGraK_ldI&feature=related

7. A pele como início e limite das sensações é inadequada. Não serve como interface.
http://www.youtube.com/watch?v=7HIijfxpQBY&NR=1

8. A tecnologia mostra a necessidade de mudança física e torna-se também um dos componentes do corpo. Através da tecnologia a evolução torna-se possível como acto individual, consciente, intencional, voluntário e único.
http://www.youtube.com/watch?v=CpbUqfdEFiE&feature=related

9. A inteligência artificial deixa de estar contida num software e estende-se ao corpo, aumentando as suas possibilidades operacionais, lato sensu. O corpo é ampliado.

10. Se o nó górdio da evolução filogenética foi o bipedismo, o futuro da evolução humana terá que passar pela troca de pele. Porque não uma pele sintética que permita eliminar muitas das limitações do corpo?

Entrevista a Miguel Soares

2009-01-30T06:58:00.000-08:00

O texto que se segue vem na sequência da nossa pesquisa sobre o tema da Vídeo-Arte para a disciplina de MediaDigitais. Assim, propusemo-nos abordar sumariamente o início desta linguagem e o seu desenvolvimento, nomeadamente em Portugal, a partir de uma selecção de artistas. A nossa escolha recaiu, entre outros, em Miguel Soares (ver anteriores mensagens) pelo que entrámos em contacto com este artista que recentemente apresentou uma exposição na Culturgeste. Colocámos-lhe três questões que muito amavelmente respondeu, tendo autorizado a sua publicação.

S / P - Lendo o texto do catálogo ficamos a perceber um certa desilusão relativamente à orientação do ensino superior artístico, nomeadamente nas Belas-Artes. De onde surgiu então o interesse pelo vídeo como médium, já que, pelo que me lembro, os audiovisuais na escola eram muito obsoletos?

M/S Não chamaria tanto uma desilusão, pois na altura já sabia que os cursos eram orientados por técnicas (pintura, ou escultura), e por isso acabei por no 3ºano seguir Design de Equipamento, como forma de aprender sobre outros materiais (plástico, ferro, madeira, materiais de construção, etc.), o que acontecia é que depois das aulas havia uma certa ansiedade de trabalhar em algo nosso. Sentimento comum também aos meus colegas que seguiram pintura ou escultura. Ou seja, os trabalhos que eram pedidos na ESBAL não eram os mesmos que nos interessavam pessoalmente realizar como artistas.O interesse pelo video, muito comum na minha geração e posteriores, vêm sobretudo de dois factores, por um lado, toda a influência das linguagens do Cinema, publicidade e televisão (foi nessa altura que a maioria das pessoas começaram a ter em casa um video-gravador e começaram a acumular cassetes com programs de televisão e a alugar filmes em clubes de video.), por outro lado, o constatar que era possivel para um artista, mais do que nunca, trabalhar com esses meios. Viamos em revistas, e em raras exposições trabalhos em video e em película, e o video começava a ficar acessivel ao consumidor comum. No entanto, no início dos anos 90, as câmaras de video ainda eram demasiado caras para um estudante, e para nós era extremamente dificil conseguir um projector de video para uma exposição, ou conseguir montar um video, a não ser com dois leitores de VHS. Na Escola, já no fim do curso, havia uma cadeira opcional de video, mas apenas para alunos de Pintura e Escultura, que colegas meus frequentaram. Entretanto a actual Faculdade de Belas Artes evoluíu muito e conseguiu adaptar-se ás práticas da arte contemporânea.

S / P - Ao assistir à sua exposição na Culturgeste, reparámos que o seu percurso parece apresentar duas linhas de orientação. Os vídeos Ultitled (1999) e Expecting to Fly (1999-2001) convida-nos a um voyeurismo (contrariado pela banda sonora escolhida) e os restantes, não se tratando de imagem real, revelam outras preocupações como a sobrevivência, a poluição, a adaptabilidade, o totalitarismo ... . Concorda com esta nossa interpretação?

M/S Em parte concordo. Primeiro convém explicar que o meu trabalho é interdisciplinar, ou seja, trabalho em áreas como a música, video, fotografia, instalação, entre outros. A exposição que o Miguel Wandschneider comissariou na Culturgest parte de uma selecção que incide apenas sobre o trabalho em suporte de video monocanal (video e animações, excluindo instalações com video) realizado entre 1999 e 2005.. Os videos que refere, filmados da varanda do meu apartamento, mostram acontecimentos que vieram perturbar (interromper) o meu trabalho nas animações, frente ao computador. Acabam por fazer um forte contraponto às animações em vários aspectos, a começar pelo lado formal, mas também por abordarem micro-questões (ou micro-temas) enquanto que as animações se propõe abordar macro-questões. Assuntos "pequenos" (no sentido pessoal ou individual) de um lado, "Grandes Questões da Humanidade" do outro. A realidade dura e urbana dos videos acaba por incentivar, quase como escape, a tentativa de criar nas animações 3D um mundo utópico, de procurar soluções futuras, ou de questionar o papel do ser humano no planeta." S / P -E, na sequência desta questão, porquê a adopção de uma técnica que está muito conotada com o cinema de animação?

M/S Com origem no CAD, o 3D foi inicialmente desenvolvido para criar simulações na área do cálculo científico, sobretudo relacionado com a produção industrial de veículos de guerra, automóveis, aviões e também na área da balística (cálculo militar, ou na corrida espacial entre os EUA e a União Soviética por ex.). A Boeing e a Renault são dois exemplos de empresas comerciais que muito cedo viram o potêncial do computador na concepção dos projectos.Outras áreas como a biologia, engenharia, e arquitectura logo começaram a usar a "ferramenta". Convém salientar que continuam a ser estas as principais "utilidades" do 3D. Daí que as primeiras animações experimentais em 3D tenham sido feitas por cientistas. Nos anos 70 o 3D e a animação por computador alargam-se à área do cinema e televisão, inicialmente na criação de genéricos e infografia, e só mais recentemente nos efeitos especiais e animação.Uso o 3D por ter essa capacidade de simulação. A simulação está presente na arte desde a pré-história, e nesse aspecto o 3D consegue ter uma relação entre realismo científico e facilidade e acessibilidade (no sentido em que qualquer pessoa tem acesso a um computador e não está dependente de ninguém) muito superior à pintura, escultura, fotografia, ou cinema, até porque engloba-os a todos (e não existiria sem eles). Ou seja, com o 3D posso criar um pequeno universo (ou "teatro") em que controlo todas as variáveis, e não estou dependente de ninguém, ou preocupado em que acabe a matéria-prima, ou onde vou guardar e conservar as coisas. Tem também a capacidade de simular as leis da Física (mesmo que seja uma Física inventada por nós) ser escalonável e fractal, e ter resolução infinita (por ser vectorial). A partir de uma cena em 3D posso fazer uma imagem, um filme, ou um sistema interactivo, posso fazer um modelo físico (por ex. com uma 3D printer), posso conjugar várias cenas, adicionar um objecto que modelei há 10 anos, alterar tudo. As possibilidades são infinitas e há tanto para experimentar, que vejo no 3D um potêncial muito maior do que nas outras ferramentas que tenho à disposição.

O nosso muito obrigado a Miguel Soares,

Sílvia Vieira e Pedro Félix

Primeira curta de Gus Van Sant

2009-01-29T08:59:00.000-08:00

"The Discipline of DE", de 1982.

"The Discipline of DE", assim se chama a adaptação do conto para o ecrã, foi o primeiro projecto de Gus Van Sant, em 1982, que deu origem à curta-metragem com 9 minutos. Marcou o início do interesse do realizador pelo autor de "O Festim Nu".
"Do Easy é uma maneira de fazer. É uma maneira de fazer tudo o que fazes. Do Easy significa simplesmente fazer o que quer que faças da maneira mais fácil e relaxada que conseguires, que é também a maneira mais rápida e eficiente, como vais descobrir à medida que fores avançado na Do Easy." Assim começa o conto, que é uma espécie de filosofia de vida, que se "aplica a todas as operações processadas dentro do corpo... Ondas cerebrais, digestão, pressão arterial e batimentos cardíacos...", diz Burroughs.

A curta mostra-nos os processos de alguém que se deixa levar por esta "filosofia de vida".

Artigo retirado de: http://ipsilon.publico.pt/

Curta-metragem: http://www.youtube.com/watch?v=7qNkWml3ztA&feature=related

Congressos 2009

2009-01-29T02:34:00.000-08:00

Meus caros,

Acontecerá na UAlg o Seminário Euromeduc sobre o tema "Media literacy and appropriation of Internet by young people". Este faz parte de um projecto europeu em que o Ciac participa e que trará investigadores europeus para discutir o tema nos dias 16 a 18 de Fevereiro. Não será aberto ao público, mas os alunos do mestrado poderão participar, se quiserem. Quem tiver interesse, entre em contacto comigo. Mais informações em www.euromeduc.eu.

Entre os dias 14 e 18 de Abril ocorrerá o 6º Congresso da Sopcom (Associação Portuguesa de Ciências da Comunicação) na Universidade Lusófona em Lisboa. O tema é "Sociedade dos Media: comunicação, política e tecnologia". Outros congressos ocorrerão concomitantemente no mesmo espaço. Aconselho a participação porque nos últimos anos os congressos da Sopcom têm sido muito interessantes. Vejam a página http://sopcom2009.ulusofona.pt/ para mais informações, inclusive a inscrição até 28 de Fevereiro é mais barata.

Esta noite a nossa aula será na sala 2.35 com a palestra do Prof. Doutor Javier Hernandez Ruiz da Universidade Européia de Madrid.

Até lá!

A História dos Videojogos II

2009-01-26T15:02:00.000-08:00

1986 foi um ano decisivo, para as consolas de jogos domésticos, com o aparecimento da NES da Nintendo. A consola foi um estrondoso sucesso comercial com os seus gráficos deslumbrantes para a altura, e os inúmeros jogos de qualidade, como o bem conhecido Super Mário. A NES foi a consola que dominou o mercado Norte-Americano e Europeu até a década de 90. O sucesso foi tal que em 1988 a Nintendo começou a publicação de uma revista dedicada unicamente à NES.

Com a NES considera-se que o mercado atingiu o seu pico mais alto até então, e que a década que se seguiu serviu essencialmente para o amadurecimento da indústria. Na década de 90 apenas algumas marcas sobreviveram à rápida evolução do mercado dos videojogos. A Nintendo e a recém criada Sega foram as que mais apostaram neste mercado digladiando-se entre si pelo domínio dos videojogos. Para combater a NES ,a Sega lança a Master System, um fiasco, que apesar de ter maiores capacidades, não apresentava jogos tão bons como a NES. Contudo, a Sega não desanimou e logo de seguida lança a MegaDrive, esta sim uma adversária digna da NES, que rapidamente começa a ganhar uma legião de fãs por todo o mundo. Em 1994, duas novas consolas são lançadas: a Sega Saturn e Playstation, que trouxe consigo a Sony para a luta das consolas. Em resposta, a Nintendo lança a Nintendo 64. Esta geração de consolas ficou conhecida como a geração dos 64-bits, que era a potência que estas três consolas apresentavam.

Ainda os jogadores de todo o mundo desfrutavam das novas consolas e já novas invadiam o mercado. A sexta geração, a dos 128-bits, começara com o lançamento do Sega Dreamcast (1998 no Japão, 1999 nos Estados Unidos). Embora a Dreamcast tivesse sido bem aceite, as vendas caíram no momento em que a Sony anunciou o lançamento do PlayStation 2 para 2000. Em 2001, a Sega abandonou o fabrico de consolas e passou a dedicar-se exclusivamente a jogos. A consola vendeu 10 milhões de unidades. A PlayStation 2, lançada em 2000, continuou o legado de sucesso da PlayStation. Apoiada pela compatibilidade com jogos da original Playstation, o facto de rodar DVDs, e apoio da maior parte dos desenvolvedores, a PS2 vendeu 100 milhões de consolas em 5 anos. A Nintendo anunciou em 1999 que estava desenvolvendo a sucessora da N64, com processadores desenvolvidos pela IBM. Originalmente lançada com o nome "Dolphin", em 2000 foi baptizada como Nintendo GameCube, e foi lançada em 2001. Apoiada principalmente por jogos da própria Nintendo, a GameCube já vendeu mais de 24 milhões de unidades.

A sétima geração começou em 2005, com a entrada em cena da Microsoft, que lançou a sua primeira consola, a Xbox.
A Nintendo lançou a Wii em 19 de Novembro de 2006 no Japão, e a Sony a sua Playstation 3, a 11 de Novembro de 2006 no mesmo país. Ambas têm joysticks com sensores de movimento, para "revolucionar a forma de jogar”, trazendo pela primeira vez uma maior interacção entre os jogos e o corpo dos jogadores.

Não se sabe onde este mercado em ascensão vai parar. Aquela que é actualmente uma indústria que gera milhares de milhões de euros todos os anos, de certeza que não vai descansar à sombra dos louros, sendo de prever, visível aliás na enorme evolução das consolas, que as empresas trabalham afincadamente de modo a produzir cada vez melhores máquinas para poder satisfazer os milhões de jogadores em todo o mundo.

A História dos Videojogos I

2009-01-26T14:07:00.000-08:00

Tal como a maior parte das invenções do Homem, também os videojogos nasceram fruto de um acaso e da imaginação de apenas dois homens, que ao conceberem aquele que seria considerado o primeiro videojogo, estavam longe de imaginar o impacto que os jogos de vídeo teriam na sociedade.
Foi em 1958 que Willy Higinbotham e Rovert Dvorak, dois cientistas do centro de investigação nuclear criaram aquele que é considerado o primeiro videojogo de sempre. Contudo, a intenção de Will e Robert tinha sido bem diferente. A guerra fria estava no auge e a população local não estava contente com a presença de materiais radioactivos na vizinhança das suas casas, o que levou estes cientistas a desenvolver um sistema que permitia mostrar às pessoas, que quisessem visitar o centro de pesquisa, que os seus receios eram infundados. Ligando um computador analógico concebido especialmente para o efeito a um osciloscópio com controladores feitos com blocos de madeira e interruptores simples, conceberam um jogo de ténis com um sistema físico realista, simulando vento, gravidade e colisões da bola com o chão, as raquetes e a rede. Tudo feito com válvulas e transístores. Foi um sucesso autêntico, e as pessoas faziam filas enormes para poder experimentar o "videojogo".

Em 30 de Julho de 1961, um grupo de estudantes do Massachusetts Institute of Technology (MIT) testava pela primeira vez Spacewar!, um jogo eletrónico desenvolvido em um enorme computador que custava milhares de dólares para demonstrar as potencialidades deste. Em Setembro de 1971, o jogo Galaxy Game foi instalado na associação de estudantes da Universidade de Stanford. Foi a primeira máquina que trabalhava através do uso de moedas e o seu sucesso foi de tal forma grande que os estudantes começaram a passar mais tempo a jogar do que a estudar.

Galaxy Game

Ainda que rudimentar, imediatamente o videojogo captou a atenção das pessoas e não foi
preciso muito até que empresas privadas vissem nisso uma forma de negócio que poderia trazer retornos financeiros muito avultados. Em 1972 foi lançada a primeira consola, a Magnavox Odyssey, vendendo cerca de 2 milhões de unidades nos EUA e na Europa. O sucesso foi tanto que muitas outras empresas se lançam no mercado das consolas. Contudo, o mundo ainda não estava preparado para tanta oferta e no final da década de 70 apenas duas marcas tinham sobrevivido, a Atari e a Magnavox.

Foi também no final da década de 70 que começam a aparecer os primeiros jogos para computador não tendo, contudo, grande sucesso, visto o preço destes ser proibitivo para a maior parte das pessoas.
No inicio da década de 80, a industria dos jogos sofre a sua primeira crise financeira, devido à pouca originalidade e qualidade dos jogos, visto as empresas estarem mais interessadas em aproveitar a febre dos videojogos do que em criar jogos ao gosto dos clientes. Isso levou ao aparecimento da chamada idade do ouro das máquinas de arcade (que funcionavam a moedas) com jogos mais viciantes e que apelavam mais ao público, que podia competir entre em si nos inúmeros salões de jogos que aparecerem durante esta década.

Naim June Paik DVD ´s

2009-01-26T07:38:00.001-08:00

A terminar esta semana em que fizemos uma abordagem sumária do panorama da vídeo-arte, a partir das suas origens até algumas das suas manifestações em artistas portugueses, voltamos a Nam June Paik, considerado o seu grande mentor.
E este retorno justifica a apresentação de dois DVD's. O primeiro intitula-se "Nam June Paik: Lessons From The Video Master", de 2007, e trata-se de um tributo de vários artistas e amigos de Paik, revelando não só a vertente artística, mas também o seu lado humano. Entre outros, destaco Bill Viola, Ryiuchi Sakamoto, Merce Cunningham, Shigeko Kubota (a esposa) ou Yoko Ono.
O segundo DVD, "Nam Jun Paik: There Is No Rewind Button for Life" é acompanhado por um livro, organizado por Wulf Herzogenrath, Director do Centro de Artes de Bremen. Trata-se de uma homenagem a Nam June Paik, com diversos testemunhos, imagens de Paik e do seu trabalho e também das cerimónias fúnebres – o vídeo refere-se a uma homenagem em 25 de Março de 2006 em Bremen e Paik tinha falecido em 29 de Janeiro. Devido à pertinência da documentação e dos textos apresentados, trata-se de um óptimo documento para perceber melhor a enorme dimensão artística de Nam June Paik.
Sílvia Vieira/Pedro Félix

Rui Toscano

2009-01-26T07:06:00.000-08:00

"To the Montain Top", 2004, vídeo Pal, preto e branco, som, 10´58''

T For Tornado, 2007.

Rui Toscano (nascido em Lisboa em 1970) começou por conciliar a sua carreira de artes plásticas com a actividade de “vídeo-jamming”, com destaque na cena cultural nacional. A sua abordagem passa pela exploração de diversos media, desde o desenho à instalação multimédia, numa clara chamada de atenção para experiência do sujeito (como ser contemplativo) na contemporaneidade.

Alexandre Estrela

2009-01-26T06:56:00.000-08:00

"Stargate", 2002, Projecção vídeo, mono canal, DVA Pal.

"The Nails Feedback", 1998, Instalação vídeo; vídeo DVD, NTSC.

Alexandre Estrela (nascido em Lisboa em 1971) apresentou uma exposição retrospectiva do seu trabalho em 2006, no Museu do Chiado.
«Tal como a sua geração, Estrela parte das práticas conceptuais dos anos 70 para reconfigurar o objecto artístico. Mas rejeita a dimensão narrativa, preferindo trabalhar a percepção, a apropriação e o estrutural. Ou seja, jogando com a ambiguidade nas fronteiras do tempo e do espaço.» in Diário de Notícias 10/07/06.

Sílvia Vieira/Pedro Félix

Corpo Densidade e Limite

2009-01-25T12:18:00.000-08:00

Exposição no Museu de Arte Contemporânea de Elvas (a 5 minutos da futura estação de TGV), inaugurou em 17 de Janeiro e termina a 30 de Junho. Que tal uma excursãozita até à raia?!

João Penalva

2009-01-23T07:48:00.000-08:00

(Lisboa – 1949)
João Penalva é um artista multifacetado. Entre as décadas de 60 e 80 iniciou uma carreira na área da dança e expôs pintura em Inglaterra e Portugal.
Nos anos 90 e no início do séc. XXI dedica-se sobretudo às instalações e intervenções e cria vídeos e filmes tais como 336 rios (1998), Mister (1999) e Kitsune o espírito da raposa (2001). Nestas obras João Penalva utiliza personagens e histórias do quotidiano, «conferindo às suas obras um forte sentido de teatralidade e narrativa assim como uma estreita relação com as artes performativas (Widow Simone-Entracte 20 years, 1996).» (Melo, Alexandre, Arte e Artistas em Portugal, Instituto Camões, Ed. Bertrand, Lisboa, 2004, p.p 176).
Como o próprio afirma: «por muito que eu insista neste ou naquele percurso no meu irrepremível desejo de controlo, o meu trabalho, tal como a minha vida, está inexoravelmente ligado à vida dos outros, aos seus desejos, à sua generosidade, [...] eu acolho tudo isto como uma infinita oferta de caminhos.» (www.serralves.pt).
Nas suas obras mais recentes os sons e os movimentos são agora os seus protagonistas «numa exploração do vídeo como médium; enquanto que uma componente mais violenta e perturbadora foi introduzida mais recentemente em Quieto, de pé, pára, não (2005). (Melo, Alexandre, Arte e Artistas em Portugal, Instituto Camões, Ed. Bertrand, Lisboa, 2004, p. 176).
Destacam-se do seu percurso artístico as exposições no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (1990); no Centro Cultural de Belém (1999), No Centro Cultural de Belém (1999), e no Museu de Serralves (2005) e ainda a exposição patente na Camden Arts Center em Londres (localidade onde João Penalva reside actualmente).
Obras suas representaram Portugal na Bienal de S. Paulo (1996), Bienal de Berlim (2001), Bienal de Veneza (2001) e de Sidney em 2002.
Sílvia Vieira/Pedro Félix

Miguel Soares 3

2009-01-23T04:37:00.000-08:00

Miguel Soares 2

2009-01-23T03:26:00.001-08:00

Miguel Soares 1

2009-01-23T03:23:00.000-08:00

VAMOS PODER VESTIR OS NOSSOS EDIFÍCIOS?

2009-01-23T01:33:00.000-08:00

In Público, 11 de Janeiro de 2009.

Publicidade: “Branding” Virtual

2009-01-22T10:59:00.000-08:00

O desenvolvimento das redes sociais na internet, fenómeno marcante dos últimos anos, impulsionado por milhares de utilizadores a volta do mundo, gera um espaço virtual de convivência multi-sensorial único e genuíno.

O êxito de sites como o youtube, myspace, facebook, secondlife, é consequência do poder de interacção que possui o utilizador, tal como o acesso a estes sites deve-se também à usabilidade obtida através de ferramentas para produzir os seus próprios conteúdos interactivos - online.

Este novo conceito baseado no desprendimento das relações humanas perante as estruturas virtuais de comunicação social é fenómeno que presenciamos como conceito de simulacro de baudrillard em toda a sua intensidade:

« simulação já não é a simulação de um território, de um ser referencial, de uma substância. É a geração pelos modelos de um real sem origem nem realidade: hiper-real.» baudrillard

O “Second Life” é um exemplo disso, ambiente virtual e tridimensional que simula a vida real e social, é a representação hiper-realista das emoções humanas. É a recriação de uma marca virtual da sociedade pluricultural. A estrutura foi criada pela empresa Linden Lab em 2003, hoje conta com treze milhões de pessoas que “vivem” dentro deste ambiente 3D.

4 pontos “Branding” Virtual:

Design emocional
O design em Second Life proporciona novas oportunidades para o desenvolvimento do discurso visual através da criação das relações sensoriais com o consumidor.

Apoio às empresas reais através da realidade virtual
Second Life é o espaço que permite expandir o posicionamento das marcas reais, como por exemplo a APPLE, expandiu-se, neste espaço, com o objectivo de colocar a marca na mente e nos sentimentos do consumidor.

Conexão com a geração Y
Os jovens são um mercado potencial para muitas organizações. O ponte forte é a sua preferência pelas tecnologias de comunicação, assim como a sua forte inclinação para as marcas. São os jovens de hoje que melhor interagem nos ambientes virtuais. A possibilidade de controlar as imagens, como por exemplo quando o utilizador abre uma conta no programa, tem a possibilidade de escolher o seu nome e apelido para o seu avatar, tal como a fisionomia que pode ser manipulada ao seu gosto, é factor determinante para esta marca no segmento jovem.

Novas oportunidades de negócios
A complexidade das relações humanas encontrou na realidade virtual do Second Life, um espaço único para a expressão e desenvolvimento de elementos de convivência dentro de uma cultura cibernética, onde o design é essencial.
Um exemplo ilustrativo foi a campanha do actual presidente do EUA, Barack Obama, que incluiu o seu próprio espaço dentro do Second Life como forma de promoção da sua imagem, promovia os seus discursos, recebia donativos e mantinha o contacto directo com os visitantes do espaço.

http://secondlife.com/
Célia / Margarida

Vídeo art em Portugal

2009-01-22T03:10:00.000-08:00

É fundamentalmente no início do séc. XXI, que vemos reconhecido e divulgado o trabalho de artistas portugueses que utilizam o vídeo como meio de expressão artística.
Toda uma geração de artistas, fruto de uma educação universitária coesa começa finalmente a emergir. Nesse contexto, com a nova dinâmica da Ar.Co (que apresenta um nível consentâneo com o ensino artístico europeu e internacional) e ainda a introdução de uma nova geração de professores na FBAUL, as condições do ensino artístico em Portugal deram um enorme salto qualitativo.
Os novos artistas que emergem beneficiam não apenas desse facto mas também de uma maior circulação e contacto com escolas e instituições estrangeiras. Muitos estudantes passaram para mestrados, pós-graduações, programas de residência e intercâmbios internacionais, enriquecendo assim a sua linguagem artística e visão plástica. Não podemos aqui deixar de referir o contributo fundamental dos portugueses Alexandre Estrela e Miguel Soares, Rui Toscano, Delfim Sardo e Ângela Ferreira entre muitos outros.
O ano 2000 afirma-se neste contexto como um ano profícuo ao nível das iniciativas curatoriais:
O Projecto mnemosyne é comissariado por Delfim Sardo para os Encontros de Fotografia de Coimbra; Jurgen Bock comissária para o CCB um conjunto de exposições – Project Room – que traz para Lisboa figuras de relevo da cena artística internacional tais como Heimo Zobernig, Allan Sekula, Eleanor Autin e Renée Green. É nesse período que se inicia também o projecto Slow Motion, comissariado por Miguel Wandschneider que como Alexandre Melo afirma «propõe uma visão antológica da produção portuguesa em vídeo e filme Super 8, realizando um trabalho de recolha e pesquisa sem precedentes na área. (Melo, Alexandre, Arte e Artistas em Portugal, Instituto Camões, Ed. Bertrand, Lisboa, 2004, p.p 110/115).
Assim, e segundo o mesmo autor «Contrariamente aos anos 90 que centravam a reflexão artística no plano social, o novo milénio avança com uma abordagem assaz disciplinar, não se pretendendo com isto dizer que se dá um regresso a práticas estanques mas sim que uma tomada de consciência sobre a natureza dos media constitui a semântica da sua própria sintaxe.»
Alexandre Estrela com o registo vídeo Making a Star , os vídeo-lanscapes de Rui Toscano e ainda o trabalho de Filipa César com o vídeo Lull são apenas alguns dos muitos exemplos deste caminho.

Sílvia Vieira/Pedro Félix

Miguel Soares

2009-01-21T14:58:00.000-08:00

Miguel Soares iniciou a sua formação artística com o estudo de fotografia na Ar.Co e Design de Equipamento entre 1989 e 1995 na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa. Ainda como aluno dessa escola adoptou uma postura crítica relativamente ao academismo de algum sector do ensino superior artístico. Essas preocupações reflectiram-se nos seus primeiros trabalhos: “Night Art School” de 1995, como metáfora de uma escola de artes onde o dinamismo criativo nunca pára.

À semelhança do que acontecia com outros artistas dessa geração, partiu da apropriação de imagens e objectos resultantes da produção e consumo em massa para a sua produção criativa. São disso exemplo a exposição Untitled (1992) onde apresentou dípticos de impressões fotográficas de ambientes domésticos dos anos 60, ou a exposição Celulight (1999) com candeeiros feitos a partir de embalagens de plástico de telemóveis (que na época causaram grande impacto devido à generalização desse meio portátil de comunicação).

Os mesmos princípios foram adoptados quando começou a recorrer ao vídeo como médium, em que se apropria de imagens da televisão e/ou de cassetes de vídeo e também dos vídeo jogos. Rapidamente adicionou as técnicas de animação em 3D e o universo da ficção científica, que têm marcado os seus trabalhos mais recentes.

A exposição retrospectiva que decorreu na Culturgeste em Lisboa, entre 18 de Outubro de 2008 e 4 de Janeiro de 2009, apresentou o seu percurso artístico entre 1999 e 2005 com vídeos e animações 3D. A orientação cronológica que nos foi proposta iniciava-se com dois vídeos de imagem real a partir da recolha mais ou menos improvisada de situações do quotidiano: uma discussão na rua ou um acidente, ambas de madrugada, às quais foi adicionada uma banda sonora que propõe uma reinterpretação dos ambientes. Os restantes 6 vídeos recorrem às novas técnicas de animação digital tridimensional e propõem um universo menos voyeurista e mais questionante sobre o futuro da humanidade: a sobrevivência, a poluição, a adaptabilidade, o totalitarismo, etc, são algumas das preocupações reveladas nestes trabalhos. Como refere Miguel Wandschneider, o curador da exposição, no texto do catálogo, “Perpassa por estas obras uma perspectiva sombria e um sentimento que se mantêm arredados de uma retórica denunciatória de tom moralista”.

Sílvia Vieira/Pedro Félix

2009-01-21T05:20:00.000-08:00

Avaliação heurística
Jakob Nielsen

A "avaliação heurística" permite uma avaliação contínua de qualquer website. Envolve especialistas que avaliam o design de uma página web, com base num conjunto de critérios de usabilidade - as heurísticas. O design é examinado procurando instâncias nas quais esses critérios são violados. Os critérios de usabilidade são relacionados com princípios e guidelines. O conjunto de critérios, conforme proposto originalmente por Nielsen e Molich em 1990, incluí:

1. Diálogo simples e natural - A linguagem utilizada no sistema deve estar de acordo com a do universo dos seus utilizadores. Deve obedecer as convenções do mundo real e a informação deve aparecer de forma natural e lógica.
2. Controlo do utilizador - O utilizador deve ter o controlo sobre o sistema, não devendo ter acções inesperadas que dificultam ou impeçam o acesso à informação desejada.
3. Minimizar a carga cognitiva do usuário - O interface deve ser flexível para realizar tarefas de diferentes maneiras para que todos os utilizadores, independentemente da sua experiência ou da sua perícia, consigam navegar com rapidez e facilidade.
4. Consistência - Deve haver homogeneidade e coerência no conteúdo da página, devem ter tratamentos e apresentações semelhantes.
5. Feedback entre utilizador/site
6. Saídas marcadas claramente - Design minimalista e esteticamente agradável facilita a leitura da informação e evita a distracção do utilizador.
7. Atalhos - Os menus sempre presentes e o uso de links visiveis facilitam a navegação.
8. Mensagens de erro precisas e construtivas
9. Prevenção de erros - Deve-se tentar evitar que ocorram erros ou corrigi-los caso ocorram (erro em links mencionados).
10. Ajuda e documentação - Deverá existir sempre a "ajuda" ao utilizador, apesar de se evitar o seu recurso.

Margarida/Célia

2009-01-21T04:45:00.000-08:00

Web Design
Jakob Nielsen: guru da usabilidade

Jakob Nielsen foi considerado pelo "The New York Times" como "o guru da usabilidade das páginas web". Advogado, co-fundador da "Nielsen Norman Group" e antigo engenheiro na Sun Microsystems. Nielsen fundou o "discount usability engineering", um método rápido que permite uma melhoria nos interfaces de acesso e usabilidade de uma página web. Desenvolveu vários métodos de usabilidade, incluindo a avaliação heurística.

Podem consultar o site oficial de Jakob Nielsen:
http://www.useit.com/

Usabilidade
No contexto de interacção homem-máquina, usabilidade refere-se á facilidade atribuida através do conceito de design, com que um interface, um software ou um website pode ser "manipulado".

Margarida/Célia

A natureza híbrida do vídeo

2009-01-20T13:05:00.000-08:00

Os desenvolvimentos tecnológicos ocorridos nas últimas décadas, possibilitaram a edição e processamento digital, que aumentaram substancialmente o potencial das imagens. Assim, as imagens recolhidas pela câmara passaram a constituir uma matéria-prima passível de ser manipulada.
«Com a codificação digital, o vídeo distancia-se cada vez mais do padrão fotográfico e aproxima-se cada vez mais do desenho e das artes gráficas em geral. Converte-se portanto num meio de extrema sofisticação imaginética, capaz de produzir uma gama de formas e de cores que antes era privilégio exclusivo das artes plásticas. [...] Os procedimentos numéricos tornam evidente a natureza gráfica da tela de vídeo e colocam a especificidade da imagem electrónica sobre novos parâmetros. A imagem renuncia cada vez mais à sua função designante e ao seu papel de registo inicial para cumprir na tela a sua função icónica primordial.» (Machado, Arlindo, A Arte do Vídeo, Ed. Brasiliense, S. Paulo, 1983, p.p 162/166.)
É nesse contexto que, segundo o mesmo autor, o vídeo [...] incorpora, ao mesmo tempo em que transforma, outras propostas criativas evidenciando o que muitos autores definem como sendo a sua natureza híbrida. ( Machado, Arlindo, Made in Brasil: três décadas de vídeo brasileiro, Ed. Iluminuras e Itaú Cultural, 2007, p.p 13/22.)
Esta afirmação permite-nos entender o vídeo como fenómeno cultural e a encará-lo em toda a sua riqueza e complexidade.

Wolf VOSTELL

2009-01-19T18:48:00.000-08:00

O “Museo Vostell Malpartida” foi fundado em Outubro de 1975 por Wolf Vostell (Leverkusen 1932- Berlín, 1998), artista hispano-alemão de reconhecido prestígio internacional, figura fundamental da arte do pós-guerra, pessoa intimamente vinculada a Estremadura desde o seu casamento com Mercedes Guardado Olivenza.

“O artista, no Museo Vostell Malpartida, situa o espectador que contempla a sua obra dentro das contradições que invadiram a sua existência. […]” http://www.museovostell.org/

WEB-ART/NET-ART vs WEB-DESIGN

2009-01-19T12:23:00.000-08:00

Uma das novas tendências de arte que relaciona as novas tecnologias, com as novas expressões artísticas e o meio de comunicação: a Internet, é a Web-Art ou Net-Art, definições utilizadas para esta nova tendência de arte “online”. A diferença entre Web-Art e Net-Art refere-se ao protocolo online utilizado, já que a Net-Art engloba usos artísticos de todos os protocolos da internet (não só o http da World Wide Web como também o FTP, E-Mail, MUDs, Videoconferências etc.).
Actualmente a grande rede World Wide Web confunde-se com a ideia de ciberespaço em toda a sua amplitude e abrangência. Optar pelo termo Web-Art significa ressaltar as possibilidades trazidas ao palco principal das aplicações da Net-Art: a grande “teia do tamanho do mundo”. “ Net Art, Web Art, Art online, Net.art” by Andreas BROGGER - http://www.afsnitp.dk/onoff/texts.html
Em 1995, o termo net.art foi aplicado a esta nova forma artística pelo esloveno Vuk Cosic, que recebeu um e-mail corrompido, no qual a única expressão:
http://www.internet.com.uy/vibri/artefactos/netarte.htm

A internet surge como o meio de comunicação e divulgação, apropriada pelos artistas, permitindo o fácil acesso ao espaço virtual, meio de baixo custo onde os artistas podem desenvolver os seus diversos projectos experimentais (intervenção, interacção…) numa inter-relação entre arte e comunicação na rede.
Esta arte alternativa está em relação directa com o momento presente. A obra pelo facto de existir apenas on-line, na rede, é difundida e acedida através de múltiplos pontos o que implica alterações na originalidade e reprodutibilidade da obra. http://afsnitp.dk/galleri/project8/index.html

Se falarmos em Web design como definição, na sua versão de arte aplicada, é o planeamento da interface em que o utilizador navega de forma prática e intuitiva. Existe uma procura de resultados subjectivos ligados à experiência do utilizador que é reflectida na metodologia projectual de um site, como resultado directo na imagem do interface, em que existe a procura de softwares especializados, uso de técnicas como a animação, programação aplicados a trabalhos dotados de um domínio técnico-artístico.
O site, produto gerado pelo designer é hoje o instrumento de publicidade mais eficiente, é um projecto estrutural complexo que aplica a usabilidade e a criatividade. Ao confrontar-mos os dois termos “usabilidade” e “criatividade” vamos chegar a seguinte questão: Design é arte? Será que podemos chamar o designer de artista.
O design tem uma forma/função, regras a cumprir, atribuídas por um briefing, como objectivos, prazos, recursos na etapa do seu desenvolvimento, a usabilidade do produto final, poderá ou não ser criativo. Tem o compromisso de dar resultados, o retorno sobre o investimento.
A arte não necessita de uma comunicação directa, mas sim de interpretação. Não tem um briefing, é livre para se expressar, poderá ter ou não um significado.

O design faz uso da arte, a fórmula é a fusão do estudo da usabilidade/criatividade para a criação de obras originalmente “belas”.

http://www.pencilrebel.com/
Célia / Margarida

2009-01-19T08:14:00.000-08:00

Nam June Paik e o grupo “Fluxus”

2009-01-19T07:17:00.000-08:00

Não podemos dissociar a influência do grupo Fluxus sobre o «Pai da Arte Vídeo» Nam June Paik.
É George Maciunas que o convida em 1960 para se unir ao movimento Fluxus onde participa em numerosas acções e eventos tais como Étude de Pianoforte (1960).
Geralmente visto como o acontecimento fundador do movimento Fluxus, o Fluxus Festspiele Neuester Musik (Festival Fluxus de Música Nova) realizou-se em Wiesbaden, em 1962, com a participação de artistas como Dick Higgins, George Maciunas, Nam June Paik e Wolf Vostell.

Neste contexto o cruzamento interdisciplinar entre artes plásticas, literatura, música, dança e teatro, assim como uma intensa troca tradicional de ideias protagonizado pelo grupo Fluxus criou um vasto clima cultural em que as novas tecnologias eram usadas experimentalmente e testada a sua adequação à expressão artística.

Nas palavras de Georges Maciunas (que se dedicou ao fenómeno Fluxus como o seu coordenador-chefe de auto-estilo):

«A diversão-arte-Fluxus devia ser apenas entretenimento e nada exigente, devia tratar de coisas insignificantes, não devia exigir habilidades especiais e incontáveis ensaios, não devia ter nenhum valor comercial ou institucional.»

Assim, o Fluxus nunca pode ser reduzido a um denominador comum, devido, em grande parte, à elasticidade e obstinação dos seus protagonistas [...] à sua dimensão internacional e também à sua posição indeterminada entre as artes. (Arte do Séc.XX, vol. II; org. Ingo F. Walther, Tashen, Koln, 2005, p. 585).

Segundo consta Paik fez a primeira gravação com o seu «Portapack» durante uma viagem de táxi efectuada no dia 4 de Outubro de 1965, aquando da visita do Papa João Paulo VI a Nova Iorque. Enviou em seguida inúmeros panfletos a anunciar a projecção da fita no Café «Au Go Go». No mesmo declarava um futuro artístico brilhante para este meio:

«Da mesma forma que a colagem tornou obsoleta a pintura a óleo, também o tubo de raios catódicos irá substituir a tela.»
Nam June Paik.

O acesso á câmera de vídeo portátil e o seu conhecimento do cinema independente de vanguarda dos anos 60, assim como a influência de Jonas Mekas e da Anthology Film Archives possibilitaram que Paik começasse a criar um corpus fundamental de vídeos tais como Button Hapening (1965), Global Groove (1973) ou ainda Tribute to John Cage (1973) entre outros.

A partir de 1974, cria instalações multivídeo com TV. Posteriormente realiza a primeira transmissão ao vivo via satélite recolhida em vídeo – a Documenta 6, Satellite telecast (1977).

Por volta dos anos 80, “constrói” videoesculturas figurativas tais como a série Family of Robots e, por volta dos anos 90 continua a sua perpétua aposta no binómio arte/novas tecnologias e realiza obras em que combina laser e vídeo digital.

A estética do vídeo mudou muito desde 1965 (como veremos mais adiante neste blog) mas o verdadeiro legado de Paik assenta na constante ligação do seu trabalho entre artes visuais e novas tecnologias.

A sua morte em 2006, deixou mais pobre o panorama artístico internacional, contudo, podemos afirmar com certeza que o seu peculiar percurso artístico e obra marcaram e influenciaram numerosos artistas contemporâneos.

«Somos uma espécie de psicanalistas das massa.»
Paik, 1989.

Sílvia Vieira/Pedro Félix

O Nascimento do Vídeo como meio artístico

2009-01-19T07:10:00.000-08:00

Foi nos anos sessenta que se assistiu à apropriação do vídeo como um novo médium (e simultaneamente como suporte) no universo artístico ocidental. Foi a década em que o império de Hollywood entrou em decadência, em que a televisão generalizara a sua presença nos lares e em que se assistia às contestações políticas mais abrangentes que alguma vez a história assistira. Na realidade, não era novidade o interesse dos artistas pela utilização de aparelhos de transmissão directa ou pelo cruzamento interdisciplinar das várias linguagens artísticas. O que estava a surgir no panorama artístico era então uma nova consciência crítica associada às novas possibilidades da utilização da imagem/som. Para isso foi dado um importante contributo com o aparecimento do primeiro gravador Portapak da Sony.

As primeiras manifestações de vídeo art revelaram desde logo uma multiplicidade de abordagens. Paik desenvolvia o aspecto estrutural nas possibilidades de transmissão de dados electrónicos e/ou apropriava-se das novas possibilidades de acesso aos meios de gravação de imagens e Vostel apresentou o conceito de décollage (em oposição à collage na pintura) com a justaposição de programas diferentes em seis televisores. Por outro lado, enquanto se criavam programas de televisão exclusivamente direccionados para a divulgação da arte contemporânea, outros movimentos como a “Guerrilla Television” contestavam a influência e a programação televisivas, iniciando uma relação profícua arte/televisão, quer se trate de um nível crítico, ou de apropriação e experimentação, que se mantém ainda actualmente.

Sílvia Vieira/Pedro Félix

Weltliteratur

2009-01-15T15:16:00.000-08:00

Madrid, Paris, Berlim, São Petersburgo, o Mundo!

A expressão de Goëthe, associada ao verso de Cesário Verde, mostra a literatura portuguesa do Mundo, numa exposição singular que contou com o comissariado de António M. Feijó e a concepção dos arquitectos Francisco e Manuel Aires Mateus. Textos literários, documentos e obras de arte apresentados em 11 salas autónomas que mostram a literatura e os autores da geração de Fernando Pessoa.

“renewable clothing”

2009-01-15T08:59:00.000-08:00

Vestuário reutilizável por Fernando Brizio
O projecto consiste na reutilização da peça de vestuário com um novo padrão de cores.

Ao colocarmos marcadores coloridos nos bolsos do vestido a sua aparência muda com o tempo. A tinta colorida dos marcadores leva cerca de 1h00 - a uma 1h30 a formar um padrão de cores no tecido, numa criação única ao acaso. Temos a possibilidade de limpar o vestido após o seu uso e reutiliza-lo criando um novo padrão de cores, cada vez que o vestimos.

YMYI - You Move You Interact

2009-01-15T08:16:00.000-08:00

Espaço onde o utilizador interage com uma imagem viva através dos movimentos do seu corpo.

YMYI - Centro Cultural Vila Flôr (2008 Exhibition)

Projecto no âmbito do Mestrado em Tecnologia e Arte Digital de João Martinho Moura e Jorge Sousa.

Sobre a "Imersão Híbrida"

2009-01-11T11:34:00.000-08:00

Na aula de 5ª Feira, a propósito do texto analisado ("O corpo biocibernético e o advento do pós-humano"), um dos modos como o corpo é "enunciado" é enquanto "imersão híbrida" (na sua versão de corpo plugado). Encontrei este site que me parece ser interessante a esse propósito. http://www.anotherlanguage.org/

Geração Sampler pt.2

2009-01-09T07:19:00.000-08:00

O Sample mais famoso da história da musica popular

Vídeo que analisa a história do sample "Amen break", um trecho de bateria com 6 segundos, que influenciou decisivamente a musica popular contemporânea.

Geração Sampler pt.1

2009-01-07T07:23:00.000-08:00

“Uns poucos meses depois comprei uma reprodução barata de uma paisagem de uma noite de inverno, a qual chamei de "Farmácia" depois de adicionar dois pequenos pontos, um vermelho e um amarelo, no horizonte.”

Marcel Duchamp, A Propósito de Readymades

1
Sampler é um aparelho musical que grava e permite a manipulação de partes sonoras, a técnica de samplar permite duma forma eficaz e económica compor artisticamente através da combinação de diferentes sons e partes musicais. Tecnologicamente nasce das experiências com instrumentos analógicos efectuadas por criadores do campo da música concreta e electro-acústica nos anos 50 e 60, que de forma recorrente utilizaram gravadores de fita magnética para recolher “amostras” de sons reais ou pré-existentes, que posteriormente eram modificados radicalmente do seu contexto original, ou seja, esses sons eram manipulados através de modelações, repetições, delays e distorções, criando composições com uma nova identidade, sugerindo novas fruições de material que previamente tinha um outro significado e autoria.

2
O desenvolvimento da tecnologia digital e a construção de samplers economicamente acessíveis ao público, permitiu a utilização maciça desta nova abordagem artística na produção da música popular a partir dos anos 80 do século passado. Esta possibilidade técnica revolucionária surgiu no momento exacto para os criadores das sub-culturas pop ligadas aos géneros Rap, Hip-Hop e House. Os DJ´s que até esse momento serviam-se essencialmente de dois giradiscos para num processo de repetição de trechos musicais criarem a adrenalina suficiente para mexerem uma pista de dança, encontraram o instrumento charneira para a sua visão musical futurista, feita de uma re-ciclagem e re-interpretação do passado e presente da cultura pop e erudita.

3
Com a massificação dos Personal Computers e poderosos softwares de música e imagem, o conceito inicial de samplar que se situava no campo musical expandiu-se para vários domínios multi-media, em grande parte devido ao caracter unificador que o computador introduz no tratamento dos diversos medias e de ter uma linguagem matemática comum. Podemos considerar hoje que todos os inputs do computador são formas de samplar (scanner, mic´s, OCR, placas vídeo, etc), qualquer pessoa nas sociedades contemporâneas é um potencial re-ciclador e re-criador de imagens, vídeos e sons. Tal como um cidadão ecologicamente correcto se preocupa em separar o seu lixo em casa dando-lhe um novo fim, pode também um qualquer indivíduo ser um “artista” re-utilizando todo um manancial imaginético e sonoro disponível ao alcance de uns tantos clics de rato.

Clip vídeo da banda Inglesa Coldcut que explora o conceito de sampler associado ao som e imagem.

2008-12-29T08:44:00.000-08:00

Eis links para sites com trabalho do artista Joan Fontcuberta:
http://www.amillionyearsoflight.com/site2/fotografia.html

http://banquete.guebs.org/banquete08/Googlegrama-Ozono-Googlegram-Ozone

"Digital Trash" 2

2008-12-29T04:32:00.000-08:00

Joan Fontcuberta, tem um trabalho exposto na Bienal de Sevilha: "Googlegramas, Ozono" de 2006. Trata-se de uma Fotografia em suporte digital, mais concretamente um "fotomosaico" que mais não é senão a reconstrução reticular de pequenas imagens. A uma certa distância reconhecemos o modelo de origem, mas uma observação aproximada permite ver o conteúdo das numerosas imagens que compõem o modelo.
Com os Googlegramas uma série de imagens (eleitas pelo seu carácter de ícones contemporâneos) refazem-se com este recurso, mas ligando o programa à Internet para que através do Google, se localizem todas as imagens disponíveis segundo um critério de busca determinado por palavras chave. Este procedimento permite estabelecer uma relação (poética, dialéctica, política, etc) tanto entre as palavras da busca e a imagem matriz, como entre as palavras de busca e as imagens associadas a estas no momento da própria busca. O dispositivo mobiliza, pois, de uma forma não controlada pelo operador, tanto os acidentes lógicos (polissemias, homonimias, sobreposição de idiomas), como as censuras, filtros e hierarquizações temáticas que o Google subrepticiamente impõe.
Tradução e adaptação do folheto informativo da obra

Sobre "Digital Trash"

2008-12-28T07:55:00.000-08:00

O artigo do Pedro é esclarecedor sobre a prática artística contemporânea de utilização daquilo a que Heidegger chamou "Bestand" e do que Baudelaire nomeou como a função própria do poeta da modernidade, função essa comparada por si ao trabalho do trapeiro. Escreve Walter Benjamin no seu texto "A Modernidade": "Os poetas encontram o lixo da sociedade nas suas ruas, e é também ele que lhes fornece a sua matéria heróica. (...) O poeta é penetrado pelos traços do trapeiro", acrescenta mais à frente, nas palavras do próprio Baudelaire: "Eis um homem cuja função é recolher o lixo de mais um dia na vida da capital. Tudo o que a grande cidade rejeitou, perdeu, partiu, é catalogado e coleccionado por ele. Vai compulsando os anais da devassidão, o cafarnaum da escória. Faz uma triagem, uma escolha inteligente; procede como um avarento com o seu tesouro, juntando o entulho que, entre as maxilas da deusa indústria, voltaram a ganhar a forma de objectos úteis ou agradáveis". A metáfora usada por Baudelaire é repleta de significações....

ARTE DIGITAL EM SUPORTES NÃO DIGITAIS - digital trash -

2008-12-23T06:34:00.000-08:00

Os ready-made e os objets trouvés constituem, desde meados do século passado, um recurso e uma tendência artística nas orientações e nos critérios plásticos de algumas correntes vanguardistas contemporâneas.

Os alvores da época digital permitiram a criação e consequente utilização de novos materiais e equipamentos que, intrinsecamente ligados à informatização digital, possibilitaram aos artistas visuais, dos finais do séc. XX e dos primórdios do séc. XXI, um experimentalismo fundado na pesquisa e investigação plásticas desses novos materiais.

Fazendo parte dos despojos da civilização digital, circuitos impressos ou integrados, baterias, placas gráficas, de vídeo e TV, memórias RAM, shipsets, processadores, plugs de pinos, mouses, teclados, slots de memória, modems, discos rígidos, CDs e outros, permitem que alguns artistas contemporâneos abordem as capacidades estéticas inauditas destes equipamentos ou acessórios tecnológicos.

A própria representação pictórica destes materiais é também alvo de interessantes abordagens por parte de artistas estrangeiros e nacionais. Neste caso, Alexandre Cabrita,

Sandra Palhares e

Mário Pires Cordeiro

desenvolvem uma abordagem técnica tradicional - óleo sobre tela, colagem, ou impressão digital sobre litografias - onde aparecem, como elementos compositivos, materiais ligados à informática e/ou à era digital.

Mas é na utilização dos componentes de tecnologia digital que gostaria de centrar a minha abordagem. Daniela Ribeiro faz um reaproveitamento de materiais tecnológicos, desconstruindo-os, reconfigurando-os em novas formas, dando-lhes renovados e intrincados sentidos, que podem levar o observador a pensar a tecnologia de uma forma diferente. Demonstrando uma consciência da crescente preocupação global com o ambiente, a artista quis utilizar este lixo industrial como linguagem plástica mas também como forma de alerta para essa problemática.

Com Leonel Moura o emprego destas temáticas atinge uma nova dimensão. Escreve o artista: "Também os robôs, desde que dotados de autonomia e alguma inteligência, podem gerar uma expressão própria que pelas suas características devemos considerar como uma nova forma de arte independente daquela que é produzida pelo artista humano que esteve na origem do processo. Ou seja, a inteligência artificial pode gerar uma criatividade artificial. Neste sentido esta criatividade artificial produzida por robôs questiona não só as noções correntes de arte e cultura, como o próprio conceito e lugar do humano. Já que pela primeira vez somos confrontados com a possibilidade, muito real, de darmos origem a seres com capacidades similares ou mesmo superior às nossas". In www.lxxl.pt (10/12/08).

Aludindo só a artistas portugueses, este texto constitui uma amostra preliminar de um trabalho de investigação mais abrangente. Alguns artistas consagram posições sensíveis com as tecnologias, pois percebem que as relações do homem com o mundo não são mais as mesmas depois da revolução informática que nos coloca a todos diante do numérico, da inteligência artificial, da realidade virtual, da robótica e de outros inventos que vêm irrompendo no cenário da contemporaneidade.

Pedro Leal Filipe
10/12/08

Aula de 18/12 e Boas Festas!!!!!

2008-12-18T07:49:00.001-08:00

Conforme combinado, não haverá aula nesta quinta-feira, dia 18 de Dezembro.

Desejo a todos um Feliz Natal e um Próspero ano Novo.

Vídeos de Nam June Paik

2008-12-18T06:54:00.001-08:00

Como prometido, disponibilizo agora alguns vídeos do Paik.

Electronic Superhighway, 1995

Global Groove, 1973

Filmes de interesse

2008-12-18T06:13:00.000-08:00

Adiciono alguns vídeos que discutimos nas aulas e que tinha prometido disponibilizar.

O Homem da Câmara de Filmar, by Dziga Vertov (1929)

Metrópolis, by Fritz Lang (1927)

Para melhor gerir o blog

2008-12-17T06:42:00.000-08:00

Peço a todos que adicionem etiquetas aos seus posts (antigos e novos) usando os temas que seleccionamos para serem abordados (Fotografia, Cinema, Media, Televisão, Publicidade, Web Design, Ciberarte, Webart, Música Digital, Arte, Tecnologia, Suporte Digital, Videoarte, Videogame) assim como o nome dos autores.

Obrigada!

GUERNICA EM 3D

2008-12-17T03:40:00.000-08:00

Este vídeo animado em 3D do famoso quadro de Picasso, Guernica, proporciona uma viagem por esta famosa obra, dando-nos a sensação de estarmos dentro do quadro e próximos de cada um dos seus elementos, que nos são mostrados de diferentes pontos de vista. Este pode ser um exemplo de como a convenção da imagem gráfica, ou seja, do software do computador se sobrepõe à estrutura rectangular do quadro mudando completamente a nossa de percepção da obra, tal como refere Lev Manovich no texto "Novas midias como tecnologias e ideia: dez definições".
Aqui fica o link: http://www.lena-gieseke.com/guernica/index.html

Novo visual do blog

2008-12-17T03:02:00.000-08:00

Gostaria de parabenizar a Margarida e a Célia pelo novo visual do blog. Agora sim somos dignos de um debate sobre media digitais!!!

Obrigada!

Aproveito também para avisar àqueles que não estiveram presentes na aula de sábado que nesta quinta-feira (18/12) não haverá aula devido ao jantar de Natal da FCHS. Esta será realizada no final do semestre.

Gabriela

Heidegger e a tecnologia moderna

2008-12-17T02:58:00.000-08:00

Retomando o post com que a Rosa iniciou os debates no blog, gostaria de chamar a atenção para alguns aspectos relevantes que discutimos em aula. Reflectimos sobre a tecnologia moderna a partir da perspectiva do filósofo alemão Martin Heidegger no texto “A questão da técnica”, e entendemos o processo de Ge-stell no domínio televisual como sendo um processo que selecciona, captura, edita, armazena e veicula imagens que podem ser enquadradas e reenquadradas continuamente.

Se, no entanto, estendermos esta nossa análise para o domínio digital veremos que por meio da técnica, neste caso computadorizada e de natureza digital (isto é, processada por meio de algorítimos), teremos o mesmo processo repetindo-se continuamente. As informações que se encontram hoje armazenadas neste grande banco de dados global e virtual que é a Internet estão disponíveis e podem ser acessadas a qualquer momento. Uma vez seleccionadas, capturadas, editadas, armazenadas e veiculadas dão início a um processo contínuo de circulação da informação que são novamente consumidas por meio do processo de Ge-stell. Heidegger usa o termo Bestand (standing-reserve na tradução inglesa) para explicar que tudo no mundo, inclusive o homem, está disponível para ser ordenado e consumido por meio de Ge-stell. É como se Bestand fosse um grande estoque de reserva que está disponível para ser acessado.

No entanto, me parece importante ressaltar o que o filósofo destaca como uma particularidade deste processo. Para tentarmos compreender a essência da tecnologia, como bem pontuou a Rosa no seu post Heidegger e “A questão da técnica” 3, não podemos procurar em nada que seja tecnológico, a essência da tecnologia não está relacionada com algo que seja técnico.
Pelo facto de não ser tecnológica, a essência da tecnologia deve mostrar-se num campo em que o ocultamento e o desvelamento da aletheia emergem. Este campo, que se apresenta tanto semelhante quanto diferente desta essência, é o campo da arte, pois a tecnologia, ao mesmo tempo em que pode revelar, impede o desdobramento da poiesis.

Entretanto, o filósofo adverte que quanto mais se questiona a essência da tecnologia, mais misteriosa a arte se torna.

Hipermídia- A linguagem em busca de si mesma

2008-12-15T15:18:00.000-08:00

Para Piscitelli, a hipermídia são conglomerados de informação de acesso não sequencial, navegáveis através de palavras chave, mas também e ainda um paradigma para a construção colectiva de sentido, uma espécie de novos guias para a compreensão individual e grupal.

Para Santaella, a hipermídia é uma linguagem em busca de si mesma, interdependente da criação de hipersintaxes capazes de refuncionalizar e combinar linguagens numa nova forma multidimensional.

Santaella refere um conjunto de 3 factores para a definição de Hipermidia:
- A Hipermidia acciona processos signicos, códigos e capazes de apelar à interacção com o leitor imersivo num fenómeno cooperação-realização.
- O leitor imersivo através de acções associativas e interactivas coloca-se em posição de co-autor, co-criador, possibilitado pelas estruturas, hiper, não sequenciais e multidimensionais que dão suporte às infinitas opções de interacção de um utilizador.

E por fim, aponta o mapeamento como terceiro factor para uma definição completa de hipermidia. O mapeamento, será o processo que dá suporte à co-autoria, à co- criação, isto é roteiros de sinalização capazes de guiar o leitor no seu processo de navegação.

Ana

De Platão à Salsicha - a não lineariedade

2008-12-15T13:45:00.000-08:00

Irresistível imagem que nos deixa Santaella na pág. 94 do capítulo 2 do livro Cultura e Artes do Pós-Humano.

"A velocidade digital cega-nos (Holtzmam 1997:169). Com uma tal rapidez de acesso é tão fácil saltar de uma página para a outra, quanto da primeira para a última(...). Em menos de um piscar de olhos, pode saltar-se de Platão para a salsicha, como diz Umberto Eco."

A não lineariedade é assim vista como uma propriedade do mundo digital. Um mundo sem começo, meio ou fim. As ideiais ganham formas não lineares - são sintaxes da descontinuidade e a chave para essas sintaxes, segundo Santaella, é o hyperlink, também este o conector/ capacitador do hipertexto e da hipermedia.
Ana

Sobre a TV 2.0.

2008-12-14T17:44:00.000-08:00

“a nova tecnologia permitirá melhor democracia, ela nos dará melhor acesso ao ‘real’”
Manovich ( 2005:17) en O Chip e o Caleidoscopio.

Visitem este site: http://latelelibre.fr/

Este é um site que se define como feito por jornalistas independentes e que pretende uma participação activa de todos. Um outro discurso da 2.0 é o da democracia, no sentido que todos possam participar. Escolho este exemplo francés, para relacioná-lo com a ideia democrática da revolucião francesa e com o seu lema “liberté, fraternité e egalité” Daí a “télé libre.” Na minha opinião é um espaço de diálogo em que não só há palavra como também imagem, com neste nosso blog, que só foi possível com o desenvolvimento tecnológico.

Para os que sabem francés, recomendo o apartado do site “La libre interview”. Lá várias pessoas respondem à questão “ tele libre?” A realizadora Laetitia Masson diz que ninguém é livre e que a TV, entre outras coisas, também nos faz escravos.

E aquí está o point rouge nº 19 “Democratie et internet”

POINT ROUGE DÉMOCRATIE EN RÉSEAU
by latelelibre

Sobre TV e democracia coloco aqui uma citação de um artigo da professora Gabriela Borges: “Os estudos do filósofo británico Mepham (1990:56-60) sobre a qualidade da televisão, que pode contribuir para a discussão sobre a produção de conteúdos de qualidade. Na sua opinião, a televisão de qualidade deve estar relacionada com um projecto social que preserve o pluralismo cultural e estimule a democratização da sociedade”
BORGES, G. (2008) “Discursos de qualidade: a programação da A2: portuguesa” en Discursos e Práticas de Qualidade na Televisão, Livros horizonte, Lisboa

SOBRE A WEB 2.0.

2008-12-14T17:10:00.000-08:00

Falando de tecnologia como vimos fazendo os últimos tempos, acho que seria interessante dar uns passos em frente (mas sem cair no abismo) e colocar um post sobre a web 2.0. O que é a web 2.0.?

Coloco aqui uma versão brasileira, a versão original está no site:
http://es.youtube.com/user/mwesch

Viram o vídeo? Vejam até ao fim! E pensemos agora na mensagem: “A máquina somos nós”. Um exemplo da vontade e necessidade que temos de humanizar a tecnologia (e de “repensar” certas coisas). Como já falamos na aula, o desenvolvimento da tecnologia provoca muitas mudanças. Quis por este video porque acho um exemplo muito interessante da mudança/avanço da linguagem informática (do html ao xml) e que podemos ainda comprender aqueles, que como eu, se perdem nisto da linguagem da informática. O que relaciono com o parágrafo -“Novas mídias como software” do texto do Manovivh (2005: 30-33) que nos lança a questão- "como é que vamos peneirar todos esses dados?".

Obrigado a Ana Catarino pela correção do português.